30/01/16

Johnny Lydon ha 60 anni! Gli auguri di Interzone e di M. McLaren e Blondie

Qui non festeggiamo i compleanni, ma  Johnny Lydon se li merita tutti, i nostri auguri. Si, perchè Johnny il 31 gennaio compie 60 anni! Se li merita perchè ci ha guardato dritto negli occhi, dal palco dell'Atlantico Live nel bellissimo concerto tenuto nella capitale e ci ha gridato: <<"tutti voi, vi conosco tutti, uno per uno!"..>>
L'aura carismatica, il narcisismo del dandy, l'aria furba da sacro barbone che possiede..la saggezza. Si, quella sera Johnny, con lo sguardo profetico dell'indemoniato, lo sguardo di chi ha visto tutto, è stato il nostro pifferaio che ci ha guidato all'acqua. Johnny è come una specie di specchio, dove riflette gli altri, noi. Con lui e attraverso la sua musica e il suo modo d'essere abbiamo sfogato la nostra rabbia e i nostri sensi di colpa e, come genialmente ebbe a dire Malcom McLaren..<<abbiamo fatto dei nostri fallimenti un nobile scopo..>>. Facciamo gli auguri a Johnny Lydon proprio con le parole di Malcom McLaren, l'uomo che inventò i Sex Pistols, quello delle intuizioni geniali, l'archeologo della cultura pop, quello che trasformava i disastri in cose buone.. per poi ritrasformarli in disastri, Malcom che ci regala una postfazione del punk e con Deborah Harry, Blondie per tutti, che invece introduce quello che fu il punk negli U.S.A. e ci racconta il suo amore per i gruppi inglesi.



I MANIFESTI SI scrivono sempre a posteriori, Guardando indletro, se si volesse scrivere un manifesto del punk, si potrebbe partire proprio da questo: il punk ha dato alla gente la possibllità di essere un abbagliante fallimento piuttosto che un tiepido successo. E stata questa la sua grandezza, avere fatto del fallimento un nobile scopo. La musica, la moda, lo stesso movimento, è stato tutto come un'unica affermazione artistica, nata dai miei giorni in accademia. Ricordo che dopo essere stato cacciato percorrevo Kings Road con uno scopo: trovare un posto nel quale la gente come me potesse dare sfogo ai prori bisogni creativi. Volevo gettare un ponte tra l'accademia e la strada. E' stato il destino a far si che andassi a flnire al World's End, un buco scaato in fondo al lato più scuro di Kings Road. Li ho messo su un negozio che vendeva oggetti del passato, ricordi degli anni Cinquanta, dischi e vestiti autentici, che avevano contratto un debito con la cultura pop, ma che in breve si sono trasformati in cultura pop.
PER COMINCIARE, QUEL negozio, per me e per qualche amico, era come il paradiso. Ben presto é arrivato un gran numero di persone disilluse, stufe del mondo. Venivano a sedersi al SEX, volevano fare parte di questa cosa che stavamo creando. Cominciavano a sentirsi diversi e a sembrare diversi. Il look te lo creavi da solo. Se non potevi permetrerri uno dei vestiti in vinile sartoriali che facevamo io e Vivienne Vestwood, ti ficcavi addosso un sacco dell'immondizia e andava bene lo stesso. Per prendere vita, questa nuova moda, questo nuovo modo di pensare, aveva bisogno di un'identità musicale. C'erano quattro ragazzi,li, che spiccavano tra la folla. Hanno preso il nome del negozio, SEX, e io gli ho consigliato di aggiungere la parola "Pistols". Ero in cerca di qualcosa che avesse implicazioni sessuali, qualcosa che potesse funzionare come metafora. E cosi in un attimo avevamo una band che poteva sparare, e che poi ha sparato, dritto contro le cose che non ci piacevano, e cioé praticamente tutto. Ovviamente l'esplosione era troppo forte per essere contenuta e, una volta uscita allo scoperto, la cosa è arrivata fino alle passerelle, nellazona più scura di Soho, poi è sbarcata nei club, e infine é entrata nelle accademie d'arte di tutto il paese. A partire da un negozietto di Kings Road, avevamo creato un modo di vivere, dei valori, un'identità: in poche parole, avevamo costruito l‘infrastruttura per una società alternativa.
(Punk, tutta la storia)



A NEW YORK, il punk é nato nel 1973. Era una scena molto piccola, sconosciuta, a malapena menzionata dalla stampa locale. Non era una realtà evoluta, non era stata ancora né commercializzata, né sfruttata. I Blondie non avevano alcun contatto con il mondo esterno del rock mainstream, e le case discografiche non prestavano la minima attenzione a quel clue stava succedendo. Eravamo solo noi e le altre band del giro: Television, Patti Smith, Talking Heads, Ramones, Abbniamo costruito tutto strada facendo, sperimentando per trovare un nuovo sound. Il nostro pubblico era composto da amici, altri gruppi e ragazzi del Lower East Side. A New York, l'estetica punk era frutto di una sensibilità camp. Eravamo tutti senza soldi, quindi ognuno di noi si inventava il proprio personalissimo stile. Era un miscuglio di glam, classica pelle nera, magliette strappate e elementi mod, perchè era questo il tipo di vestiti che  trovavi facilmente a N.Y. In Inghilterra invece il movimento punk era molto più politicizzato. Ce ne rendemmo conto non appena arrivati lì. Quel che accadeva intorno plasmava la loro visione politica, che si rifletteva anche nella musica. Al centro di tutto c'era l'economia, che era andata a puttane. Un'altissima percentuale di persone viveva grazie al sussidio di disoccupazione. Non c'era davvero alcun futuro per quei ragazzi. La gente dimentica che disasrro fosse quel posto all'inizio clegli anni Settanta. Ricordo molto bene il primo concerto dei Blondie in Inghilterra. Il pubblico era piu che espansivo, direi tribale. Ballavano, saltavano, pogavano e sputavano. L'atmosfera era calda, selvaggia, eccitante. Gli americani, a confronto, erano molto più chiusi. E la loro musica era straordinaria: Stranglers, Clash, Siouxsie Sioux, Slits, Poly Styrene. Sopratrutro i Sex Pistols: erano meravigliosi. Mi ricordavano Beethoven, avevano lo stesso tipo di maestosità. Le esibizioni di quel gruppo erano atti criminali. Non si prcoccupavano di avere o non avere credibilità; vivevano nel loro mondo, pensavano solo all'anarchia. C'era una forte retorica politica in quello che facevano, ma volevano anche i soldi. E le etichette, pur di sbarazzarsi di loro, glieli diedero tutti. Fu davvero la più grande truffa del Rock'n'roll. Ammiravo il modo in cui alcuni ragazzi seguivano e facevano parte della scena punk inglese perché, anche se non suonavano in alcun gruppo, erano tutti molto attenti a crearsi un loro caratteristico look. Il punk trapelava dalla musica che suonavi, dal modo in cui ti vestivi e dai posti che frequentavi. Era inevitabile che finisse per lasciare il segno. Sebbene ora chiunque ci sappia fare ricsce a distinguersi dalla massa, il punk è tutta un'altra cosa ed e ancora tra noi, E stata un'esplosione: la prima vera espressionc di rottura.
(Punk, tutta la storia)


The Greatest Hits, so far











Musica e cinema: ancora un binomio da celebrare

Alcuni dei migliori momenti del cinema sono stati definiti dalla musica - che si tratti di film biopic, che si concentrano sulle star della musica internazionale, o di film con la partecipazione vera e propria di musicisti o semplicemente film con una grande colonna sonora. Ci sono tutta una serie di modi in cui la musica può fare la differenza tra un assassinio o un bacio, e qui cerchiamo di celebrarne alcuni  in tutto il loro splendore. Ricordiamo che INTERZONE ha dedicato più post e pagine a musica e cinema, come i nostri personali best, (best-musical-film), le nostre migliori Biopic (le-migliori-e-le-peggiori-biopic), i cameo di alcuni grandi rocker al cinema (rock-cameo), alcuni grandi film dedicati al Punk (un-altro-stato-mentale-punk-e-cinema), o ancora all'influenza del Rock nel cinema Horror (best-horror-soundtrack)

Molti dei film documentari che raccontiamo sotto sono di difficile reperimento, ma chi ha un pò di pratica nel mondo della rete.. niente è introvabile!
Ancora tanta roba, basta fare una piccola ricerca nel nostro blog, anche attraverso i Tag, e telecomando alla mano, per tutti gli amanti di musica e cinema..

Iniziamo con questo meraviglioso..
Standing In The Shadows Of Motown (2002)
Nel 1959, Berry Gordy mise insieme alcuni dei migliori musicisti jazz e blues della fiorente scena di Detroit e con loro iniziare con una nuova casa discografica. Dopo circa quattordici anni, questi diventarono il cuore battente, con brani come "My Girl", "Bernadette," I Was Made to Love Her ", e con tantissime altre hit, dell' epopea Motown a Detroit. Alla fine della loro fenomenale carriera , questo gruppo di musicisti avevano sfornato più numeri uno in classifica di gente come Beach Boys, i Rolling Stones, Elvis e Beatles messi insieme- il che li rende la più grande macchina di successo nella storia della musica popolare. Si chiamavano i Funk Brothers.
Quarantuno anni dopo il loro primo disco per la Motown, i Funk Brothers si sono riuniti di nuovo a Detroit per suonare la loro musica e raccontare la loro storia indimenticabile all'ombra di una delle più gloriose case discografiche del mondo.
Erano i tumultuosi gli anni sessanta, e gli eroi non celebrati della Motown prendono per mano gli spettatori in un viaggio avvincente nel tempo in cui tentano di tracciare l'evoluzione di quel Sound dalle sue origini a Detroit fino al declino durante gli anni Settanta. Attraverso gli occhi dei personaggi c'è la rilettatura di come il gruppo governava lo studio di Hitsville di giorno e la scena dei club di Detroit, di notte: si entra in un mondo davvero senza precedenti e nell'emozione dei Funk Brothers che rivisitano i luoghi delle loro radici musicali, i loro trionfi e le delusioni.
Per più di quattro decenni, dalle piste da ballo di tutto il mondo, alle sommosse di Detroit del 1967, alla guerra in Vietnam, la musica che i Fratelli del Funk hanno creato ha svolto un ruolo importante nel tessuto culturale di tutta una generazione. Nonostante la loro importanza e gli enormi successi ottenuti, c'è voluto questo Standing In The Shadows Of Motown, documentario del 2002 per portare alla ribalta e ottenere il giusto credito per questi artisti che hanno inciso canzoni del calibro di "The Tears Of A Clown" (grande cover poi ne fecero i Beat!) 'e "I Heard It Through The Grapevine" .
Miglior momento musicale: Il giorno in cui i Funk Brothers si mettono in contatto con Chaka Khan per incidere 'What's Happen'. 



Boyz N The Hood - Strade violente (1991)
Oramai un moderno classico americano. E in seguito ha avuto ancora più risonanza se si considera che i disordini avvenuti dopo il famigerato pestaggio di Rodney King scoppiarono nella stessa città solo un anno più tardi: Los Angeles.
Ice Cube e Cube Gooding Jr. (quando ancora cool) furono le star di un film potente, che ha ispirato in seguito un intero filone, una serie di "remake"sfacciati, sulla guerre tra bande nelle città. Bisogna dire che pochi sono stati intelligenti o memorabili come questo capolavoro del regista John Singleton.
Quì assistiamo al passaggio di Ice Cube dalla musica al cinema, e fu un successo clamoroso, per la sua interpretazione di 'Dough Boy', dipingendo il suo carattere alternando impressionante grinta e moderazione. Questo è stato un film che diede un ulteriore forte voce all'orgoglio dei neri e all'hip-hop inizio decennio, che fece esplodere alcune delle complesse questioni - violenza, uso delle armi da fuoco, istruzione, privazione dei diritti civili - colpendo al cuore la comunità afroamericana .
La sua importanza viene ancora rimarcata dal fatto che nel 2002 è stato scelto per la conservazione nel National Film Registry della Biblioteca del Congresso degli Stati Uniti.

Miglior momento musicale: i brani salienti della Soundtrack, che comprendono musiche di Ice Cube, 2 Live Crew, Monie Love and Run DMC.


Ferris Bueller's Day Off - Una pazza giornata di vacanza (1986)
« La vita scappa via in fretta, se uno non si ferma e non si guarda intorno, rischia di sprecarla ».
Anche se non è strettamente un film musicale, questo - come tutti i film di John Hughes - ha contribuito moltissimo alla conoscenza della musica indie al mainstream.
Commedia giovanile interpretata da Matthew Broderick, dalla onnipresente "chick-to-chick-aah" all'utilizzo gratuito di pezzi deiThe Beat, The Flowerpot Men, Sigue Sigue Sputnik e.. "of course" la splendida 'Please, Please, Please Let Me Get What I Want' degli Smiths' nella scena del museo, 'FB's Day Off'include perfettamente musica iconica nella sua trama leggerae come dicono gli inglesi..un pò "goofy" (sciocca).
Stranamente, John Hughes rifiutò di pubblicare la colonna sonora come entità separata, pensando che a nessuno sarebbe stato interessato d ascoltaree Yello e Wayne Newton sullo stesso CD. Il che significa che volendo, si deve solo guardare il film e sentirli nel contesto in cui erano destinati.

Miglior monento musicale: La versione Twist and Shout dei Beatles cantata da Ferris (Broderick).
Questa comunque la completa e intrigante tracklist:
  1. Love Missile F1-11 - Sigue Sigue Sputnik
  2. Beat City - The Flowerpot Men
  3. Please, Please, Please Let Me Get What I Want - The Dream Academy
  4. Danke Schoen - Wayne Newton
  5. Twist and Shout - Beatles
  6. Radio People - Zapp
  7. I'm Afraid - Blue Room
  8. Taking the Day Off - General Public (The Beat)
  9. The Edge of Forever - The Dream Academy
  10. March of the Swivelheads - The Beat
  11. Oh Yeah - Yello


Monterey Pop (1968)
Il precursore del più famoso Woodstock, il film davvero cattura l'essenza del festival - e dell'estate dell'amore - del 1967 e imposta alta l'asticella per i documentari sui concerti a venire. Girato da D.A. Pennebaker, con la collaborazione di Richard Leacock e Albert Maysles, esperti documentaristi. Con la partecipazione di più di 200.000 persone, fu organizzato dal produttore discografico Lou Adler, dai cantanti Paul Simon, Michelle Phillips e John Phillips dei The Mamas & the Papas, dal produttore Alan Pariser, con un un “comitato di garanti” di cui facevano parte fra gli altri Donovan, Paul McCartney, Mick Jagger, Smokey Robinson e Brian Wilson. Come cambiano i tempi !
Il film vanta un cast invidiabile, tra cui gli stessi The Mamas & The Papas, Otis Redding, Canned Heat, The Who e The Animals, ma non i Grateful Dead, all'epoca all'apice, che ritennero troppo commerciale il progetto (!).

Miglior momento musicale: Hendrix che brucia e distrugge la sua chitarra alla fine del 'Wild Thing', naturalmente.



Blur: No Distance Left To Run (2010)
E' un film documentario sulla brit/pop band britannica Blur, uscito nelle sale il 19 gennaio 2010. Davvero esauriente, cattura la band durante il tour della reunion del 2009 e il film include anche filmati di repertorio e interviste mai apparse prima. E 'stato pubblicato anche in DVD, includendo la registrazione del concerto di Hyde Park del 2009, incluso nel secondo disco. E' il secondo film documentario dedicato della band, dopo Starshaped del 1993.
Una retrospettiva della vita e dei tempi della band alla luce sempre così (leggermente) malinconica della loro reunion dopo lo scioglimento.

Miglior momento musicale: Alex che alla stazione radio giapponese dice "Ciao, sono Alex, lo stupido dei Blur ... voi fichette smettete di mangiare le balene.. ", un Graham ubriaco alle prese con una bottiglia di vino nel backstage del 'The Great Escape' tour (prima che il suo alcolismo fosse ritenuto tutt'altro che 'un bluff'), e la sorprendentemente 'Superman' eseguita dal vivo a Harlow, Essex nel 1989.

Beastie Boys; Awesome I Fuckin' Shot That! (2006) 
Awesome; I Fuckin' Shot That! è il titolo del documentario diretto da Adam Yauch (nome d'arte per quest'opera, Nathanial Hörnblowér): secondo DVD per il gruppo statunitense dei Beastie Boys, la cui copertina presenta la versione censurata del titolo: Awesome; I... Shot That!.
Sono 90 minuti, il set dal vivo che i Beastie Boys tennnero al Madison Square Garden di New York il 9 ottobre 2004. In quell'occasione, cinquanta fans del gruppo hip hop newyorchese furono muniti di telecamera, in modo che lo spettacolo potesse essere successivamente visionato in cinquanta angolature diverse. Ne è uscito fuori un particolare ed unico racconto di un concerto della band newyorkese.
Ecco un concetto pulito: prendere in prestito un po 'di telecamere, dispensarle a 50 super-fan e dare loro due sole istruzioni: "Basta accendere e riprendere".
Editing frame-perfetti, centinaia di ore di filmati in successione garantiscono il punto di "vista dei fan" in questo innovativo spettacolo dei Beastie Boys al Madison, diverso da qualsiasi altro DVD live messo in commercio.

Miglior momento musicale: La partecipazione diDoug E. Fresh e DMC (dei Run DMC), e Ben Stiller che rappa insieme alla sua signora.



Heavy Metal A Baghdad (2007)
Heavy Metal in Baghdad è un film documentario che segue la band heavy metal irachena Acrassicauda dalla caduta di Saddam Hussein, nel 2003 fino al 2007. Suonare heavy metal in un paese musulmano è sempre stato un difficile (se non impossibile), ma dopo che il regime fu rovesciato, ci fu un breve periodo in cui la vera libertà sembrava possibile, anche per il R'n'R. Quella speranza andò rapidamente in frantumi, delusa, quando l'Iraq è caduto in una rivolta sanguinosa, e ancora oggi, nel 2016, il paese è completamente nel caos. Dal 2003-2006, mentre tutto si disintegrava intorno, gli Acrassicauda hanno continuato a lottare per stare insieme e mantenere il gruppo in vita, rifiutandosi sempre di lasciare morire i loro sogni di metallo pesante. La loro storia riecheggia le speranze non dette di un'intera generazione di giovani iracheni. Il film è stato girato dal fondatore di Vice, magazine on line ormai famosissimo, un vero black metal norvege, Suroosh Alvi: <E' stato rischioso, e pericoloso. La gente diceva che era davvero fottutamente stupido per noi affrontare questo progetto. Ma, sai, le regole dell'Heavy Metal!.>

Miglior momento musicale: Vedere gli Acrassicauda mettere in pericolo le loro vite, per suonare e scatenarsi in diretta.



Singles - L'amore è un gioco (1992)
"Singles" sia chiaro, non è un film d'avanguardia. Ma si può più volte sorridere durante il film: è facile con i personaggi di Cameron Crowe e il suo cast di giovani eccentrici dalla faccia pulita che dividono un appartamento. Vi è la rappresentazione di un processo di vita che è, per sua stessa natura, inconcludente: la ricerca della felicità. Il film fu accusato di aver ridotto l'auto-lacerante rabbia contro-culturale del grunge quasi ad una puntata di Amici, ma non ritenuto abbastanza un tradimento della scena (come fecero i puristi al momento, Kurt Cobain lo odiava, per esempio). Dopo tutto, Soundgarden, Pearl Jam e Alice In Chains, tutti hanno appaiono nella pellicola in piccoli camei.
E c'è anche un riferimento ai Mudhoney, forse la band che più ha rappresentato il movimento nella sua ala più originale e dura.

Miglior momento musicale: '‘Would?' La breve esplosione degli Alice In Chains ", sicuramente una delle canzoni più pesanti mai apparse in un film mainstream.  

Glastonbury (2006)
Glastonbury è il film, o meglio il  rockumentary del 2006 diretto da  Julien Temple che racconta la storia del Festival di Glastonbury dal 1970 al 2005. E' andato in porto dopo due tentativi falliti di fare un film sul festival. Composto da filmati girati da Temple nelle edizioni del 2002, 2003, 2004 e 2005, con l'aggiunta di riprese inviate dal pubblico e frequentatori del festival, dopo un annuncio tramite il sito web e alcuni giornali specializzati. Inoltre ci sono anche filmati girati da Channel 4 e dalla BBC durante la  copertura mediatica dell'evento, dal 1994.Il DVD è molto interessante perchè ha caratteristiche completamente interattive, che consentono agli spettatori di fare la propria esperienza del festival, selezionando i filmati preferiti. Un'edizione rivisitata (mandata in onda dalla BBC nel 2012) è stata completata nell'estate del 2011 da Temple (in associazione con la Somerset Film).
Dall'apertura, con il fango che invade l'area del festival per le grandi pioggie, questo documentario fa quello che poi fanno tutti i grandi documenti - ti fa venire voglia di essere proprio lì nel bel mezzo di quel casotto. Poi, interviste, esibizioni, riprese amatoriali: la cartolina finale dal più grande festival del mondo, che non pretende di coprire il bender tentacolare nei minimi dettagli, ma piuttosto offrire un'istantanea di tutta l'esperienza.

Miglior momento musicale: Ri-organizzare i brani tramite le opzioni interattive per creare la propria setlit, con Paul McCartney, The White Stripes e The Killers.

 
 

 

I Jefferson Airplane ti amano, dal tetto

Un grande saluto e un abbraccio. Paul Kantner ci ha lasciato pochi giorni fa, il  28 gennaio 2016, nella sua amata San Francisco. Era nato nel 1941 ed è stato  fondatore e chitarrista dei Jefferson Airplane. Uomo dai grandi ideali e esploratore galattico della mente, ha  cambiato il rock , e in definitiva, ha contibuito alla crescita spirituale dell'intero pianeta..
 


Di sicuro l’estate dell’amore (summer of love) mantenne le promesse. Dopo 1967 anni, l’età delle tenebre era sul punto di terminare. Stava nascendo una nuova Terra, capace di riunire individuo e l'Universo, di armonizzare teosoficamente i destini comuni degli uomini in una prospettiva di bene fraterno...

L’Eden era San Francisco: i negozi alternativi fungevano da chiese profane, la stampa underground era la nuova Bibbia, il gospel, come sempre, si stendeva sulla musica. Per tradizione, la citta della Baia era sempre stata aperta a un gioioso carnevale di stili, ben distante dai sentieri commercialmente battuti. ll jazz e il folk avevano largo seguito ma, eccezion fatta per occasionali apparizioni di artisti locali, la presenza di San Francisco nelle classifiche nazionali si limitava a Tony Bennett, romantico cantore di << funivie stellari >>. Gli artisti di rock muovevano qua e là, senza coesione; quando qualcuno fece capolino (cosi i Beau Brummels di Laugh Laugh e Just A Little, nel 1965) più che stile cittadino vero e proprio si poteva parlare di pure coincidenze. Il <<partito della riscossa» non perse tempo, ispirato dalla << novità elettrica >> di Dylan, dalle rispettabili proposte di Beatles e Stones, dalla esperienza piu facilmente riscontrabile di pionieri come Byrds e Lovin’ Spoonful. Gli Spoonful, in special modo, riuscirono ad aprire gli occhi ai giovani della città, quando visitarono la Baia nei giorni caldi di Do You Believe In Magic. In primavera, i Jefferson Airplane (che avevano preso la sigla da un ipotetico cantante di blues, Blind Thomas Jefferson Airplane) seppero diventare in breve i portavoce piu tipici del rock cittadino. Gli adesivi, i "bottoni" che li propagandavano recavano la scritta << I Jefferson Airplane ti amano >>, eco nell’atmosfera che animava San Francisco, luogo d’inatteso nirvana. I Trips Festival avevano riscoperto il ballo, inserito nella dimensione di piu esperienze artistiche, Bill Graham (con il Fillmore) e quelli della Family Dog (con l’Avalon) avevano plasmato l`intuizione, dandogli precisa struttura; le nuove <<feste danzanti» divennero luogo creativo dove tutto poteva accadere e dove spesso tutto accadeva. Il "libero sballo"  (perdersi completamente nelle luci stroboscopiche, nell’esperienza dell’acido) divenne un nuovo stile di vita mentre musicisti di ogni tendenza prestavano orecchio al canto delle nuove sirene, come se da tempo l’attendessero. Grateful Dead, Quicksilver Messenger Service, Mystery Trend, Big Brother and the Holding Company elaborarono le prime improvvisazioni che poi avrebbero fatto scuola. Grace Slick; già nota come cantante della Great Society, portò con sé due canzoni del suo repertorio classico, Somebody To Love e White Rabbit...

Surrealislic Pillow mise in rilievo proprio il proverbio di White Rabbit (“Nutri la tua testa”) sull’onda di Somebody To Love. Il gruppo si caricava sulle spalle sogni e speranze di una intera generazione, portando alla ribalta d’America i rappresentanti di San Francisco; lo stesso effetto sortirono i manifesti di Wes Wilson, il primo Be-In (gennaio 1967) e il Pop Festival di Monterey. All’interno degli Airplane nessuno accettava volentieri un ruolo marginale. Cosi, la presenza di Grace Slick si fece sempre più rilevante, l’importanza di Grace aumentò ancor più dopo un paio di dischi di successo, finendo col logorare la compattezza del complesso, rendendo incerta la sua evoluzione. Mentre all‘Haight Ashbury ci si sforzava di contenere l’<< esplosione demografica >> di quell’estate (la massiccia immigrazione da ogni parte d’America minacciava la fragile struttura della comunita), gli Airplane lottavano per coprire l’intera gamma dei desideri' della nuova generazione. Ferita nell’intimo, la << bella gente» della Baia dichiarò precipitosamente <<la morte dell’hippie>>, due mesi dopo la fatidica estate; una volta messo in moto il meccanismo, non ci si fermo più.


Paul e Grace
Il Sistema, anziché crollare sotto l’assedio dei beniamini dell`amore, irrigidi la sua resistenza, vincendo brutalmente con il trionfo delle droghe pesanti e della criminalita; la nuova generazione intese finalmente che non si poteva liquidare tanto facilmente il fardello della storia pretendendo magari che non esistesse. Per gli Airplane e il resto della scena` di San Francisco la lezione s’imponeva in questi termini; volenti o nolenti, i nuovi complessi dovevano continuare ad aflidarsi all’industria musicale se volevano portare la propria musica alle orecchie dell’intera nazione. Molti artisti si tennero fuori dal compromesso, per quanto possibile, allestendosi <<feste alternative », schierandosi dalla parte della gente, scoprendo infine che ogni soluzione era un ' rischio' legato ai mutevoli umori del pubblico. I << Tre giorni d’amore, di pace e di musica >> di Woodstock potevano facilmente diventare l’Orrido Carnevale di Altamont.
<<Avevamo tutto quello che ci serviva, stimolanti artificiali compresi», ricorda il chitarrista Jorma Kaukonen. Gli Airplane ebbero il pregio di capire tutto ciò; spartendosi tra Yin e Yang, comparvero in tutte e due le manifestazioni.

Nell’ottobre del 1967 per le strade di Haight Ashbury era stato gia celebrato il funerale dell’hippie: l’estate dell’amore era finita, il 1968 è l’anno della contestazione, e in Crown Of Creation gli acidi e la cultura psichedelica si fanno strumento politico. In copertina c’e l'esplosione atomica con loro dentro, intorno la guerra del Vietnam e leader neri (Martin Luther King) e bianchi`(Robert Kennedy) assassinati. Un presidente che se ne va (Lyndon ]ohnson), e uno che viene (Richard Nixon). La Convention democratica che finisce nei disordini trasmessi alla TV. Grace Slick canta in televisionc Crown Of Creation col pugno guantato di nero delle Black Panthers sollevato come i velocisti di colore statunitensi Tommie Smith Clohn Carlos, vincitori delle Olimpiadi di Citta del Messieo.
Il 1969 di Volunteers.
<Siamo tutti fuorilegge agli occhi dell’America. Per sopravvivere noi rubiamo, imbrogliamo, inganniamo, falsifichiamo, imboschiamo e traffichiamo / Siamo osceni, senza legge, orrendi, pericolosi, sporchi, violenti e giovani>, We Can Be Together. <La nostra vita è troppo bella per lasciarla morire [...] Tutta la vostra proprietà privata è un bersaglio per i vostri nemici / e i vostri nemici siamo noi / Noi siamo le forze del caos e dell’anarchia. Tutto ciò di male che dicono di noi, lo siamo e siamo molto fieri di noi stessi>.

Più che di uno scioglimento, si trattò d’uno smantellamento.
I pezzi di Crown of Creation e di Volunteers vennero divisi tra le varie fazioni all’interno del complesso; tutto ciò portò inevitabilmente a scelte solistiche, anche se Bless Its Pointed Little Head, primo disco dal vivo, dimostrò che gli Airplane avevano ancora la forza di vincere molti rivali.
L’aeroplano Jefferson si era trasformato in un’astronave. Il viaggio nel cielo psichedelico era ormai finito. Alla fine ce n’era uno nella galassia delle chart dell’easy listening da FM. Anche se Grace Slick continuava forte con le sue droghe sformando piano piano il bel corpo che esibiva qualche anno prima denudandosi il seno in alcuni live. Il seno ora cadeva come il suo sex appeal da diva ex hippie e tossica.

<Una pillola ti fa diventare più largo, e una pillola ti rimpicciolisce. E quelle che ti da tua madre non hanno alcun effetto. Prova a chiederlo ad Alice, quando è alta dieci piedi>, (White Rabbit)
Grace era diventata una star tossica, arresa a una rivoluzione a cui era ormai inutile credere. Grace e Paul, a sigla Paul Kantner-Grace Slick, pubblicano Sun Hughter, il ritorno sulla terra ha il sapore rancido della chimica in fondo alla gola: <Madre Terra, i tuoi figli sono qui lacerati da cocaina ed eroina>, recita Earth Mother. E Diana 2:
<Ricordatevi quelli che conoscevate / ricordate come danzavamo e ricordate quel che cantavamo in America molti, anni fa> .

Nel 1971 per poco Grace non rimane uccisa in un terribile incidente stradale, schiantandosi addosso a un muro in un tunnel vicino al Golden Gate Bridge a San Francisco. L'aeroplano Jefferson ha il motore in avaria. Nel 1974 partirà il razzo Jefferson Starship. Una navicella musicale da classifica lontana anni luce dall’aereoplano. Grace, sempre più in preda alle droghe, discenderà dall’astronave a fine anni Settanta. Rientrerà in seguito, alternandosi a discutibili prove soliste, si sposerà un ragazzino poco piu che ventenne, il suo tecnico delle luci Skip Johnson, e la polizia la fermerà con la roba addosso. Le era già successo, a una festa della compagna d’università figlia di Richard Nixon, durante la presidenza del padre. Nel 1987, decide di lasciare del tutto quel mondo e la band, che ormai ha perso per strada la sigla Jefferson, per ritirarsi e dedicarsi alla pittura (quadri dipinti in poco tempo di solito ubriaca venduti a qualche migliaio di dollari) e alle sue memorie intitolate Somebody To Love. ll tempo di un breve ritorno di fiamma nel 1989 con la Slick, Kantner, Balin, Kaukonen e Gasady che riaccendono il motore dell’aereo Jefferson per l’episodio di un disco intitolato Jefferson Airplane, e basta. Quello che ci sarà dopo, chiamato Jefferson Starship: The Next Generation o Jefferson Starship-TNG (per non parlare dell’altro progetto Starship Featuring Mickey Thomas) era roba che non volava. Alla fine non rimane che il ricordo di una breve trasvolata di un manipolo di piloti della psichedelia a segnare con la sua scia indlelebile il cielo dei sogni rock. Passando davanti al 2400 di Fulton Street, forse non lo riconoscerebbero neanche più, quell’edificio in stile vittoriano. La facciata oggi èstata ridipinta di diverso colore. Quello del coniglio...

Jefferson Airplane - (1967) - Surrealistic Pillow (Gold Collector's Edition) [FLAC]

Durante la sua fase marxista / maoista, il regista francese Jean-Luc Godard si recò a New York per filmare i Jefferson Airplane che (giustamente..) considerava come esempi dell'avanguardia rivoluzionaria americana, e che suonavano sul tetto di un edificio a Midtown, Manhattan. L'esibizione, priva di permessi delle autorità, si svolse la mattina del 7 dicembre 1968.

L'evento fu organizzato per il progetto di di Godard, One American Movie. Il film vide anche la partecipazione del leader delle Black Panthers Eldridge Cleaver, Rip Torn, LeRoi Jones e Tom Hayden e di rendere in generale un quadro sulla nuova sinistra rivoluzionaria americana. Quando Godard finì per abbandonare il progetto, il film fu montato come One PM da D.A.Pennebaker, nel 1972.

I Jefferson suonano una lunga, quasi minacciosa versione di "House at Pooneil Corner": si può vedere lo stesso Godard nei primi secondi, sventolare da lontano la fotocamera . Ora, ci meravigliamo, e ci chiediamo da dove Paul McCartney ebbe la grande idea per il concerto sul tetto di Let It Be dei Beatles...






26/01/16

Quando la solitudine diventa reato: The Lobster

Quello che ormai governa la nostra società non è più certamente la politica ma bensì l’economia. Il potere è saldamente nelle mani delle grandi corporazioni che, potendo gestire grandi quantità di denaro, possono a loro piacimento imporre candidati e presidenti, deputati e governatori. Hanno il potere saldamente nelle loro mani. E al potere delle multinazionali non piace la solitudine. Non piacciono i single. Perché non è conveniente. Dove non c’è famiglia c’è poca spesa. Non si consuma abbastanza. E poi, al potere ha dato sempre fastidio le persone che pensano. Che riflettono. E a star da soli c’è più tempo per pensare.

In una società del futura il potere odia e punisce la solitudine amorosa. Se ti ritrovi single per un qualsiasi motivo, vieni spedito in un albergo / prigione, costretto con altri solitari a trovare una compagna/o in base ad affinità di gusti e personalità. Si ha tempo 45 giorni, scaduti i quali si viene trasformati in un animale, almeno questo viene stabilito su propria scelta. Nell’albergo / prigione, durante il soggiorno, vi sono regole e manifestazioni allucinanti, come ad esempio una caccia all’uomo per allungare i giorni di detenzione e avere più tempo e chance di trovare l’anima gemella, provare a vivere con un braccio solo e dove è vietato anche masturbarsi, il tutto per dimostrare quanto sia malvagio e frustrante vivere da soli. E’ questo quel che succede al nostro Colin Farrell in The Lobster, piccolo gioiello cinematografico del greco Yorgos Lanthimos.
Tornando per un attimo alla trama, chi non è disposto a subire questa follia imposta dall’alto non ha altra scelta se non il suicidio o quello di rifugiarsi nei boschi, alla macchia, dove operano un gruppo di resistenti, di rivoluzionari dalle regole dispotiche e feroci: sono banditi matrimoni, fidanzamenti, persino il corteggiamento. La coppia è considerata il male assoluto. Un universo antagonista in cui è bandito l’amore, i sentimenti nelle sue molteplici forme, clandestini sottomessi ad un potere dispotico che tramite la disciplina intende governare la vita collettiva e individuale. Senza eccezione alcuna. Quindi un rimedio peggiore del male che vorrebbe combattere, con norme talmente assurde e insensate da essere non meno selvaggio e totalitario del potere che si vuole combattere. The Lobster è un film tutto da guardare, anche se alcuni media hanno riportato che in alcune proiezioni qualcuno del pubblico abbia esternato il proprio sdegno, uscendo poi dalla sala. In termini politici, mi è sembrato di cocente attualità e consono alla situazione del nostro paese, in cui la forza che si autodefinisce come unica opposizione al potere corrente, si sta rivelando per quello che è, cioè una struttura gerarchica totalmente prona, e che fa riferimento ad una società che ha come suo obiettivo principale il profitto. Con le sue regole assurde e crudeli (pensiamo al sistema delle espulsioni ad ogni deragliamento dalla linea del capo) non diverse da quelle che ci vengono imposte da chi ci governa, sarebbe una follia sostituire una stortura con un'altra, non meno folle.

The Lobster è una denuncia profonda anche della deriva a cui la nostra società sta andando incontro, in termini di controllo della nostra vita privata. Un sistema che attraverso le nuove tecnologie tutto vuole sapere e disciplinare, che odia l’individualismo bonario e costruttivo. E uno sberleffo a tutti quei rapporti costruiti e perpetrati sulla paura della solitudine, costruiti e sostenuti sulla finzione, sulla menzogna e l’ipocrisia. Anche se è un film che ha avuto un effetto potentissimo su di me, tanto da poter essere benissimo un mio biglietto da visita.. culturale, The Lobster ci riguarda tutti da vicino, da molto vicino. E’ surreale, scorretto, geniale, pieno di ironia verve comica e alla fine ci lascia con una sfilza di domande su temi quali il rapporto con la solitudine, la sessualità, i compromessi, l’ipocrisia dei rapporti umani.

Colin Farrell panciuto è clamoroso, ben coadiuvato da una Rachel Weiz sempre splendida, anche senza trucco. Le sonate di Beethoven ben si sposano con le atmosfere surreali del film, insieme a Nick Cave. E a proposito di musica e di ironia, c’è un dialogo in cui il capo dei resistenti, Léa Seydoux, bellissima, anche lei quì senza ombra di trucco, in una perfetta versione di donna leader, spiega le regole al nuovo arrivato Farrell e in relazione alle patetiche serate da ballo organizzate nell’albergo /prigione allo scopo di far socializzare i solitari.. :<<Qui non sono ammessi balli in coppia, qui si balla da soli ed è per questo che noi ascoltiamo solo musica elettronica!..>>

Quì in Streaming e Download, in lingua originale (consigliato)



24/01/16

40 Anni di una Cultura Sovversiva: Punk 1976 - 2016

Punk 1976 - 2016! Siamo in pieno anniversario e a Londra iniziano i festeggiamenti per i 40 anni del punk. Si svogeranno per tutto l’anno, e verranno coinvolti diversi locali, istituzioni, organizzazioni. Punk London – 40 Years Of Subversive Culture, ricorderà la “cultura sovversiva” che ha contagiato i giovani di tutto il mondo allora e che continua ad influenzare oggi musica, moda, cinema, il mondo dell’arte. L’intento è quello non solo di esplorarne le radici, ma anche di evidenziare come il punk continui a propagare la sua onda nel tempo.
Tra gli eventi seminali di quel 1976 c’è anche il 100 Club Punk Festival, una due giorni di festival che si tenne proprio al The 100 Club in settembre e che ospitò nomi allora sconosciuti ai più ma destinati a rimanere nella Storia: Subway Sect, Siouxsie And The Banshees, The Clash, The Damned, The Vibrators e i Sex Pistols stessi sono sfilati su quel palco, ignari di quel che il destino aveva in serbo per loro. Mentre dal 4 al 10 gennaio nel club si è svolto anche il Resolution Festival, con numerosi gruppi che si sono avvicendati per riportare alla memoria la maratona musicale di allora.
Per sottolineare la portata epocale del movimento, tutti possono aderire alla manifestazione e dare il proprio contributo: basta ideare il proprio evento e registrarsi sul sito www.punk.london/.

Hanno già aderito e parteciperanno:
British Fashion Council, British Film Institute, British Library, Design Museum, Doc ‘n Roll Films, Institute of Contemporary Arts, Live Nation Merchandise, Museum of London, The Photographers’ Gallery, Rough Trade, PYMCA, Premier and On|Off, Roundhouse and Universal Music Catalogue.

In questa piccola rassegna ripercorriamo gli inizi del movimento Punk, le basi pre-punk, dagli Stooges e New York Dolls, fino a filmati incendiari dei Pistols, Damned e co, dal 1976, fino ai primi mesi del 1977.

Punk’s Prologue Pt 1. The Stooges – TV Eye (1970)
La Rosetta Stone dell'attidudine punk rock, ma c'è di più per Iggy & Co nell'esibizione al Cincinnati Pop Festival del burro di arachidi: infatti, Iggy passa parte del concerto in mezzo al pubblico, tornando poi sul palco cosparso di burro di arachidi. The Stooges inaugurano un suono positivamente selvaggio e l'introduzione di uno sconcertato Jack Lescoulie è esilarante: "Loro di certo non entreranno nello show-biz con questo spettacolo ..."





Punk’s Prologue Pt.2 New York Dolls - Personal Crisis
Ancora nel 2016, guardare le Dolls in scena abbiamo l'impressione che provengano da un altro pianeta. (Comefaceva Johnny Thunders ad avere quei capelli?); Dio sa come dovevano sembrare al pubblico nel 1973!. In Germania, Malcolm McLaren rimase folgorato quando li vide e nel 1975, diventò il loro manager. Il gruppo arrivò ad esibirsi sventolando sul palco una bandiera con falce e martello che campeggiava sullo sfondo. I Dolls fecero cinque concerti a New York con questo nuovo look ideato da McLaren, vestiti di pelle fetish colorati, e supportati dai Television. Quando li perse,semplicemente li ricostruì nei i Sex Pistols.



Ramones - Havana Affair (1976)
Da un concerto di Max Kansas City nel mese di ottobre del '76, rimane uno dei migliori video del gruppo sul web, più che sufficiente a giustificare il culto e l'adorazione delle punk band britanniche per i Ramones. No Dee Dee, no Paul, no Sid..  Il Melody Maker accolse così le prime esibizioni del gruppo: <I Ramones sono l'ultima di una lunga serie di band presuntuose e prive di talento, il ​​cui risultato più importante fino ad oggi è la loro incapacità di oltrepassare i confini di New York City. Quì sono stati accolti dall'adulazione di un esercito di fan ingannati: musicalmente, non vanno per il sottile e non hanno variazioni di qualsiasi tipo. La loro regola è quella di essere più incompetenti possibile. Per una band che vorrebbe essere la proiezione per i giovani d'America della vita suburbana, anticonformista, del sesso e della lotta, o di qualsiasi altra cosa,falliscono miseramente...>



Sex Pistols - Pretty Vacant (1976)
Esibizioni scabrose dei Pistols in un brillante weekend a Londra, e un bel documentario sulla scena crescente del punk britannico, girato e presentato dal pioniere della TV culturale inglese, Janet Street Porter. Possiamo riconoscere il futuro produttore dei Clash Guy Stevens dirci di come fosse annoiato con la musica dei Led Zeppelin e di altri dinosauri del rock dell'epoca. Very Cool!. quì





The Damned – New Rose (1976)
Un promo piacevolmente frammentario e sconnesso, New Rose fu il primo singolo in assoluto pubblicato da una punk band nell'ottobre 1976 nel Regno Unito. New Rose è attribuita a Brian James, chitarrista e membro fondatore, pubblicata su etichetta Stiff Records e ebbe come B-side la cover di Help! dei The Beatles, suonata due volte più rapidamente dell'originale. New Rose è stata poi coverizzata dai Guns'n Roses in The Spaghetti Incident e dai Poison Idea, band hardcore punk di Portland in Pajama Party. Ditemi se non suona ancora incredibile!.




Sex Pistols da Bill Grundy (1976)
Alle 17.30 del 1° Dicembre 1976 si presentarono a Today, programma televisivo presentato da Bill Grundy ed erano già sbronzi. lniziò a provocarli, parlando di grandi compositori - Mozarl, Bach e Beethoven. Johnny Rotten d'improvviso vomitò in un angolo, esclamando.. "Merda!". Grundy invitò John a ripetere quel che aveva detto e fu immediatamente accontentato, mentre lui si rivolgeva a Siouxies (dei Bansheens, che era una delle accompagnatrici della band..) chiedendole un appuntamento per dopo la trasmissione. A quel punto Steve Jones gli disse che era un vecchio sporcaccione, rincarando la dose chiamandolo lurido stronzo e una maledetta carogna! Finì lì. Grundy aveva ben rappresentato tutta l'ipocrisia con cui le istituzioni avevano risposto al punk. Il giorno dopo il Daily Mirror se ne uscì con una famosa copertina che titolava a tutta pagina "The Filth and the Fury!" ("Oscenità e furore!") e i buoni borghesi iniziarono a intasare le linee telefoniche della Tv protestando inferociti per quello spettacolo "di depravazione e privo di decenza". Alcuni dichiararono di aver preso a calci il televisore e la rissa verbale scatenatasi in diretta (con tutti i suoi strascichi polemici), distrusse letteralmente la carriera pubblica di Grundy.





Sex Pistols - Anarchy in the UK (1976)
I Sex Pistols eseguono 'Anarchy in the UK' nel programma di Tony Wilson Granada Pop Show - So It Goes, in quella che fu loro prima apparizione televisiva. Tony Wilson, presentatore alla Granada Television e creatore della Factory Records, era stato uno dei 42 spettatori (insieme ad alcuni membri chiave della futura scena musicale di Manchester, come Peter Hook e Bernard Sumner prima Joy Division e poi New Order, Morrissey degli Smiths, il produttore Martin Hannett, Mark E Smith dei The Fall, Paul Morley, influente giornalista musicale e Mick Hucknall dei Simply Red) che il 4 giugno del 1976 assistette al concert dei Pistols al Lesser Free Trade Hall, invitati da Howard Devoto e Pete Shelley dei Buzzcocks. In seguito portò la crema del punk americano e britannico e le fasce New Wave al pubblico del suo acclamato spettacolo televisivo che andava in on onda a tarda notte. Nel video possiamo vedere il maldestro tentativo del cameraman di censurare la svastica che aveva al braccio Jordan, un'altra delle accompagnatrici di Rotten e compagni.





The Clash – BBC Clash Documentary ‘The Clash New Year’s Day ’77’
La BBC, il giorno di Capodanno, ha trasmesso questo splendido documentario sulla leggendaria punk rock band The Clash, girato da Julien Temple circa 38 anni fa, prima che il mondo avesse mai sentito parlare dei The Clash .
Ora, è possibile guardare l'intero filmato, di 75 minuti, qui sotto.
Temple, che ora ha 62 ed è un regista di successo, ha diretto video per artisti come Janet Jackson, Neil Young, Rolling Stones, Talking heads e tanti altri, insieme ad un controverso, prospettico biopic su Marvin Gaye, era un giovane aspirante cineasta quando incontrò i tre principali membri di The Clash nel 1976. Ben presto diventò amico di Joe Strummer, Mick Jones e Paul Simonon, e iniziò a filmare alcune delle loro prime prove e spettacoli dal vivo. Questo lungometraggio stupefacente costituisce gran parte del documentario della BBC sui Clash, ed ha come fulcro la performance dal vivo il primo gennaio del 77, tre mesi prima della pubblicazione del loro album di debutto, intitolato semplicemente, The Clash. Lo spettacolo si tenne al Roxy Club, una ex discoteca angusta e decrepita nel quartiere di Covent Garden di Londra, che per i suoi brevi 100 giorni di vita fu considerata l'epicentro della musica inglese e della rivoluzione culturale nota come "punk rock". Il filmato, che è certamente di grande valore non solo per gli appassionati ma per i suoi riferimenti culturali e storici, non era mai stato trasmesso prima.




Sex Pistols – Seventeen (1977)
Documentato da Don letts in Super 8, il debutto di Sid Vicious con i Sex Pistols al Green Cinema di Londra, il 4 Marzo 1977. E' il celebre The Punk Rock Movie (conosciuto anche come The Punk Rock Movie from England), il film del 1978 sulla scena punk rock britannica assemblato da filmini in Super 8 girati da Don Letts, disc jockey del club The Roxy di Londra durante gli anni di punta del movimento punk del '77. Contiene riprese dal vivo di esibizioni di The Clash, Sex Pistols, Wayne County & the Electric Chairs, Generation X, Slaughter and the Dogs, The Slits, Siouxsie and the Banshees, Eater, Subway Sect, X-Ray Spex, Alternative TV e Johnny Thunders & The Heartbreakers. Inoltre sono presenti anche immagini fuori scena di alcune band, come i Generation X, le Slits e i Siouxsie and the Banshees.

Tutte le esibizioni furono girate al Roxy, tranne, appunto, quella dei Sex Pistols, che proviene invece dal concerto tenutosi al cinema The Screen On The Green di Londra. Il concerto vide l'uscita di Glen Matlock, considerato troppo poco "punk" e fu il primo con Sid Vicious in formazione.






The Damned – Fan Club (1977)
"Nessuno pensava,  in quei momenti, che tutto questo stava per cambiare il mondo."






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19/01/16

Stilyagi: la musica delle ossa e il design dei libri sovietici

In particolare gli americani, sono sempre stati orgogliosi, fino alla nausea a volte, sui numerosi modi con cui la cultura pop occidentale è riuscita a penetrare nell'Unione Sovietica, seducendo i suoi giovani che andavano a letto sognando Topolino, Billie Holiday, Elvis, Star Wars.. Dal jazz dei primi decenni dopo la rivoluzione, al rock and roll degli anni '50 e ancora dopo, la gioventù sovietica bramava le vie d'Occidente, tanto che, a quanto pare, bootleg di musica inglese e americana sono stati ritrovati registrati su pellicola radiografica, in pratica musica impressa sulle lastre usate per i raggi X, che venivano recuperate dagli archivi e dai cassonetti dei rifiuti degli ospedali sovietici, prima dell'arrivo del registratore e nel corso degli anni '50, quando il vinile non era facilmente reperibile. Russi geniali iniziarono così a registrare bootleg di jazz , boogie woogie e rock 'n' roll, musica che allora era vietata dal regime, la qualità a volte era terribile, ma il prezzo era basso, un rublo o un rublo e mezzo. Spesso questi dischi contenevano autentiche sorprese per il compratore: dopo pochi secondi di rock 'n' roll, una voce beffarda chiedeva in russo: 'Allora, cosa si prova ad ascoltare gli ultimi suoni, eh ?", seguito da alcuni epiteti e insulti indirizzati agli appassionati acquirenti, poi il silenzio. "Questi "dischi" erano chiamati Roentgenizdat (stampa su X-ray) o, come disse Sergei Khrushchev (figlio di Nikita), "la musica delle ossa".

Un omaggio accattivante agli hipsters sovietici di quegli anni è il musical russo del 2008 dal titolo, ovviamente, Stilyagi (che tradotto suona come" pantaloni a vita bassa "- anche se la parola significa letteralmente" ossessionato dalla moda ").




Ora, oltre tutto questo raramente ci chiediamo cosa la cultura sovietica ha esportato mentre strombazzavamo la nostra superiorità. Tantissime cose, che non potremo stare quì ad elencare, ma alcune di queste sono alte filigrane di innovazione creativa e di bellezza estetica, come il cinema di Dziga Vertov e Andrej Tarkovskij. Il Theremin, di cui abbiamo parlato, ha radicalizzato la musica con il suo inquietante sibilo elettronico. Molto meno note, tuttavia, sono gli sviluppi affascinanti nell' animazione e nelle illustrazioni.

La maggior parte di noi, che sono lettori famelici e curiosi, e quelli che scrivono di cultura sono cresciuti pensando alle biblioteche pubbliche come fonti inesauribili di cose affascinanti da scoprire, e Biblioteca Pubblica di New York sta facendo un lavoro eccezionale, con la digitalizzazione di intere collezioni di libri, raccolte di innumerevoli argomenti, portando l'era di Internet ad un livello della , prendere che a un altro livello, rendendoli disponibile a tutti, portando così Internet in una nuova era. Grazie proprio alla Biblioteca Pubblica di New York possiamo visualizzare e scaricare
650 esempi di design per copertine e cover di libri dell'era Sovietica, pubblicate tra il 1917 e il 1942, anche sela maggior parte risalgono agli anni '30. Questa bellissima collezione offre una sguardo unico sulle tendenze del design d'avanguardia di quegli anni.

Inoltre, l'archivio offre anche un'ampia panoramica dei tipi di libri che venivano pubblicati in Unione Sovietica prima della guerra ed è improbabile che molti di questi titoli hanno visto una qualsiasi traduzione. In alcuni casi, l'autore e il titolo di alcuni di questi libri sono andati persi. Ognuna delle immagini ha un link a una pagina del database online della grande biblioteca digitale di NY, dove è possibile acquisire le informazioni di pubblicazione e scaricare le scansioni ad alta risoluzione. In alternativa si possono vedere alcune selezioni scelte dal Paris Review, che ha richiamato la nostra attenzione su questa meravigliosa collezione online.

New York on line database of “Scrapbook of Russian Bookjackets"

Paris Review



13/01/16

Ora, da qualche parte: i cento libri di Bowie

Finirà mai questa infinita tristezza? 
Se le ultime 48 ore ci hanno insegnato qualcosa, è che David Bowie non è morto. L'uomo che ha fatto della propria morte una rappresentazione teatrale, ha messo in scena una grande fuga - nascondendosi in piena vista, più vivo che mai.
INTERZONE si occupa di musica e anche di letteratura, di libri, romanzi, fumetti e quant'altro. Quindi non potevamo esimerci dall'andare a cercare quello che David amava leggere, lui che era una persona intelligentissima e colta, molto colta.

L'elenco di libri preferiti di Bowie
Descritto come un "lettore vorace", molti dei suoi album sono stati influenzati da libri. Quando Vanity Fair gli chiese: "Qual è la tua idea di felicità perfetta?" Rispose "la lettura". Semplicemente. Nel 2013, Bowie ha postato i suoi 100 libri preferiti sulla sua pagina pubblica di Facebook. Curiosando e sapendo che Bowie ha sempre avuto un rapporto complicato con gli Stati Uniti, abbiamo scoperto che nella sua lista figurano moltia testi di scrittori americani, dal Truman Capote, a Hubert Selby Jr., Saul Bellow, Junot Diaz, Jack Kerouac e molti altri. Era anche molto affezionato agli inglesi, George Orwell, Ian McEwan, e Julian Barnes e amava Mishima e Bulgakov. Molti libri di questi scrittori figurano nelle nostre biblioteche e citati quì sul blog. Non un caso. L'elenco che abbiamo compilato completo qui è reperibile in rete su molti siti, soprattutto dopo gli ultimi avvenimenti, noi lo pubblichiamo con le edizioni italiane, facendo attenzione al fatto che i titoli  non tradotti non sono stati pubblicati in Italia. Possiamo scorgere la lista e pensare che ora, da qualche parte, David Bowie (o, per essere più precisi, David Jones) sta facendo esattamente la stessa cosa.

I titoli


Susan Jacoby, The Age of American Unreason, 2008

Junot Diaz, La breve favolosa vita di Oscar Wao, (The Brief Wondrous Life of Oscar Wao) - 2007

Tom Stoppard, La costa dell'utopia (The Coast of Utopia,trilogy) - 2002

Jon Savage, L' invenzione dei giovani (Teenage: The Creation of Youth 1875-1945) - 2007

Sarah Waters, Ladra (Fingersmith) - 2002

Christopher Hitchens, Processo a Henry Kissinger The Trial of Henry Kissinger, 2001

Lawrence Weschler, Il gabinetto delle meraviglie di Mr. Wilson (Mr. Wilson’s Cabinet of Wonder) - 1997

Orlando Figes, La tragedia di un popolo. La Rivoluzione russa 1891-1924 (A People’s Tragedy: The Russian Revolution 1890-1924) - 1997

Rupert Thomson, L'insulto (The Insult) - 1996

Michael Chabon, Wonder Boys, , 1995

Howard Norman, The Bird Artist, , 1994

Anatole Broyard, Furoreggiava Kafka - Ricordi del Greenwich Village (Kafka Was The Rage: A Greenwich Village Memoir) - 1993

Arthur C. Danto, Oltre il Brillo Box. Il mondo dell'arte dopo la fine della storia (Beyond the Brillo Box: The Visual Arts in Post-Historical Perspective) - 1992

Camille Paglia, Sexual Personae: arte e decadenza da Nefertiti a Emily Dickinson) (Sexual Personae: Art and Decadence from Nefertiti to Emily Dickinson) - 1990

Richard Cork, David Bomberg, , 1988

Peter Guralnick, Sweet Soul Music (Sweet Soul Music: Rhythm and Blues and the Southern Dream of Freedom) - 1986

Bruce Chatwin, Le vie dei canti (The Songlines) - 1986

Peter Ackroyd, Hawksmoor - 1985

Gerri Hirshey, Nowhere To Run: The Story of Soul Music - 1984

Angela Carter, Notti al circo (Nights at the Circus) - 1984

Martin Amis, Money, (Money: A Suicide Note), Einaudi -1984

Don DeLillo, Rumore Bianco, (White Noise) -  1984

Julian Barnes, Il pappagallo di Flaubert (Flaubert’s Parrot) - 1984

Charles White, The Life and Times of Little Richard - 1984

Howard Zinn, : Storia del popolo americano dal 1492 a oggi (A People’s History of the United States) - 1980

John Kennedy Toole, Una banda di idioti (A Confederacy of Dunces) - 1980

David Sylvester, Interviste a Francis Bacon (Interviews with Francis Bacon) - 1980

Arthur Koestler, Buio a mezzogiorno (Darkness at Noon) - 1980

Anthony Burgess, (Gli strumenti delle tenebre Earthly Powers) - 1980

Raw (a ‘graphix magazine’) 1980- 91

Viz (magazine) 1979

Elaine Pagels, I vangeli gnostici (The Gnostic Gospels) - 1979

Fran Lebowitz, Metropolitan Life 1978

Ian McEwan,Fra le lenzuola e altri racconti ( In Between the Sheets) - 1978

Writers at Work: The Paris Review Interviews, interviste a Ezra Pound, Ernest

Hemingway, Truman Capote, Joan Didion, T. S. Eliot, Ralph Ellison, William Faulkner, Irwin Shaw, Elizabeth Bishop e Vladimir Nabokov, 1977

Julian Jaynes, Il crollo della mente bicamerale e l'origine della coscienza (The Origin of Consciousness in the Breakdown of the Bicameral Mind) - 1976

Ed Saunders, Racconti di Gloria Beatnik (Tales of Beatnik Glory) - 1975

Greil Marcus, Mystery Train, 1975 (anche in italiano)

Frank O’Hara, Poesie (Selected Poems) - 1974

Otto Friedrich, Before the Deluge: A Portrait of Berlin in the 1920s - 1972

George Steiner, Nel castello di Barbablù (In Bluebeard’s Castle : Some Notes Towards the Re-definition of Culture) - 1971

Peter Sadecky, Octobriana and the Russian Underground - 1971

Charlie Gillete, The Sound of the City: The Rise of Rock and Roll - 1970

Christa Wolf, Riflessioni su Christa T (The Quest For Christa T) - 1968

Nik Cohn, Rock Dreams (Awopbopaloobop Alopbamboom: The Golden Age of Rock) -1968

Mikhail Bulgakov, Il Maestro e Margherita (The Master and Margarita) -1967

Eugenia Ginzburg, Viaggio nella vertigine (Journey into the Whirlwind) - 1967

Hubert Selby Jr., Ultima fermata: Brooklyn (Last Exit to Brooklyn) - 1966

Truman Capote, A sangue Freddo (In Cold Blood) - 1965

John Rechy, Città di notte (City of Night) - 1965

Saul Bellow, Herzog - 1964

Spike Milligan, Puckoon - 1963

Jessica Mitford, Il sistema di morte americano (The American Way of Death) - 1963

Yukio Mishima, Orizzonti di gloria (The Sailor Who Fell From Grace With The Sea) -1963

James Baldwin, La prossima volta- Il fuoco: due lettere (The Fire Next Time) - 1963

Anthony Burgess, Arancia Meccanica (A Clockwork Orange) - 1962

George Orwell, Dentro la balena (Inside the Whale and Other Essays) - 1962

Muriel Spark, Gli anni fulgenti di Miss Brodie (The Prime of Miss Jean Brodie) - 1961

Private Eye (magazine) - 1961

Douglas Harding, La via senza testa. Lo zen e la riscoperta dell’ovvio (On Having No Head: Zen and the Rediscovery of the Obvious) - 1961

John Cage, Silenzio (Silence: Lectures and Writing) - 1961

Frank Edwards, ufologo, morto in circostanze misteriose - Strange People - 1961

R. D. Laing, lo psichiatra che visitò Syd Barret - L'io diviso (The Divided Self) - 1960

David Kidd, All The Emperor’s Horses - 1960

Keith Waterhouse, Billy Liar - 1959

Giuseppe Di Lampedusa, Il Gattopardo (The Leopard) - 1958

Jack Kerouac, On The Road - 1957

Vance Packard, I persuasori occulti rivisitati negli anni ottanta, ed italiana 1989 (The Hidden Persuaders) - 1957

John Braine, Room at the Top - 1957

Alberto Denti di Pirajno, A Grave for a Dolphin - 1956

Colin Wilson, disegnatore di Blueberry - The Outsider - 1956

Vladimir Nabokov, Lolita - 1955

George Orwell, 1984 (Nineteen Eighty-Four) - 1949

Ann Petry, La strada (The Street) - 1946

Richard Wright, Ragazzo negro (Black Boy) - 1945





Iggy Pop:
Bowie produced Iggy and the Stooges’ landmark 1973 album Raw Power.
MESSAGE FROM IGGY: "David’s friendship was the light of my life. I never met such a brilliant person. He was the best there is. - Iggy Pop"
11:00 AM - 11 Jan 2016


Brian Eno:
Bowie teamed up with Eno for the so-called “Berlin Trilogy” albums, specifically 1977’s Low, 1977’s “Heroes”, and 1979’s Lodger.
“David’s death came as a complete surprise, as did nearly everything else about him. I feel a huge gap now.
“We knew each other for over 40 years, in a friendship that was always tinged by echoes of Pete and Dud. Over the last few years – with him living in New York and me in London – our connection was by email. We signed off with invented names: some of his were Mr Showbiz, Milton Keynes, Rhoda Borrocks and The Duke of Ear.
“About a year ago we started talking about Outside – the last album we worked on together. We both liked that album a lot and felt that it had fallen through the cracks. We talked about revisiting it, taking it somewhere new. I was looking forward to that.
“I received an email from him seven days ago. It was as funny as always, and as surreal, looping through word games and allusions and all the usual stuff we did. It ended with this sentence: ‘Thank you for our good times, Brian. they will never rot’. And it was signed ‘Dawn’.
“I realise now he was saying goodbye.”




Nile Rodgers:
Bowie enlisted Rodgers to co-produce his 1983 album Let’s Dance and 1993’s Black Tie White Noise.
#RIP @DavidBowie -
Real Your life changed my life. Love forever.
1:35 PM - 11 Jan 2016






DEVO:

Bowie co-produced DEVO’s acclaimed debut album Are We Not Men? We Are Devo!
Gerald V. Casale of DEVO on David Bowie:
"David Bowie was one of the greatest artists of all time. I feel privileged that I ever got to know him. He gave Devo his blessing. He remained true to his art until the end like I wanted so badly for us to do." -
Bowie & DEVO at Max's Kansas City in NY.





10/01/16

XTC - This is Pop

Finalmente ci siamo arrivati. Di tutte le band emerse dalla scena post-punk britannica, XTC è stata una delle più difficili da definire. Per i più, è stata una classica band di rock alternativo, con chiari riferimenti ai Beatles, mentre per molti, noi compresi, di certo uno dei gruppi "dinosauri" degli anni '80, uno di quelli che più hanno definito la new wave e appunto il post-punk. Guardando gli XTC attraverso la nostra lente, la band, che ha iniziato a Swindon, Inghilterra, nel 1976, con Andy Partridge cantante / chitarrista , Colin Moulding (basso), Terry Chambers (batteria) e l'ex King Crimson Barry Andrews alle tastiere, sostituito nel '78 da Dave Gregory, ha attraversato una carriera piena delle più affascinanti traiettorie musicali, fino al loro scioglimento nel 2000. Si sono evoluti da gruppo di folletti anfetaminici ad un robusto gruppo di rock moderno, cugini di secondo grado della migliore psichedelia made in Britain. Due talenti soprannaturali, Andy Partridge e Colin Moulding, hanno creato lavori che vanno dal profondo, al riflessivo, ma in generale sempre complessi. Sicuri che gli XTC sono stati sottovalutati, anche come musicisti: Terry Chambers, ad esempio, è stato un batterista di una creatività mostruosa, ancora di più ignorato rispetto agli altri: su ogni canzone, ha un modo di suonare impeccabile. Anche con un inizio carriera folgorante, incanalando cinque lavori davvero incredibili, fino a English Settlement, che coglie il momento in cui da una giovane band diventano dei musicisti maturi, tutti i dischi che gli XTC hanno pubblicato, sono stati afflitti da vari drammi, che hanno ostacolato le loro possibilità a conseguire un vero riconoscimento di massa. Alcuni di essi sono stati autoinflitti, come l'ego smisurato e la testardaggine inerente di Partridge. Altri dovuti ai loschi rapporti di affari di un ex manager e di una cattiva gestione da parte della loro etichetta di lunga data, la Virgin Records. Aggiungete a questo il fatto che la band nel 1982 smise di andare in tour, paralizzata da attacchi di panico e paura del palcoscenico, la band ha concluso la sua storia nel 2000 con autentici disastri.

Ricordiamo il progetto parallelo della band, The Dukes of Stratosphere, nato quando Dave Gregory si unì alla band e con Partridge sbandierarono l'idea di registrare canzoni provenienti direttamente dal 1967, con l'obiettivo di rendere il suono il più vicino possibile al mondo dei psichedelici anni '60. Con questa premessa abbiamo semplicemente potuto ammirare quanto profondamente la musica della loro infanzia era affondata nelle loro menti così eclettiche e tanto impressionabili. Due dischi, Psonic Psunspot e 25 O'Clock che hanno alterato anche le nostre menti, nel modo giusto.

L'etichetta discografica ha rimasterizzato la maggior parte della produzione Xtc.  E anche se non capiamo a volte il perché abbiamo bisogno di sostituire le nostre vecchie copie in vinile dei dischi che possediamo, in questo caso bisogna ammettere che le ristampe ...effettivamente suonano meglio. Su un buon impianto stereo, il suono risulta più grande, pulito, e più nitido, e gli strumenti sono più chiaramente differenziati. Inoltre, rispetto a molte altre ristampe, le note di copertina non sono  avare, e la maggior parte contengono molte bonus track. Paragonando"Yacht Dance" in digitale con la versione in vinile, è come se qualcuno avesse spazzato via dal brano uno strato di sporcizia. E  Drums and Wires suona davvero in modo diverso, meno "fangoso" rispetto all'originale.

Negli oscuri e polverosi angoli dell'universo pop, dove quelli come me risiedono studiando attentamente le note di copertina di quasi tutti i dischi di questa band straordinaria e facendo regolari visite al bel sito (ed esaustivo) curato dai fan, con annessa mailing list Chalkhills, gli Xtc rimamangono dei titani della musica moderna e artigianale, che è andata a maturare con l'età. Eppure, anche da fan, non sono cieco davanti ai momenti in cui le loro idee e alcuni loro dichi sono scaduti nel mediocre. Ma anche dei loro fallimenti, comunque affascinanti per i tentativi di sperimentazione, varrebbe la pena di discutere.  
XTC tutta la vita. 

Postiamo, con il video dell'esibizione al Rockpalast del 1982, la possibilità di scaricare la maggior parte della produzione della band, insieme ad alcure rarità, un disco tributo di vari artisti, i lavori solisti di Andy Partridge e quello di Gregory. In più ancora, un XTC Live. Buon ascolto..

XTC -  Complete Discography
XTC - White Music



SETLIST:
Respectable Street
Towers of London
Runaways
Jason and the Argonauts
Burning With Optimism's Flames
Snowman
Ball And Chain
Sgt. Rock (Is Going to Help Me)
No Thugs In Our House
Senses Working Overtime
Making Plans For Nigel
Living Through Another Cuba
Generals and Majors
Real By Reel
Life Begins At The Hop

AT MANOR

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Fine agosto 1980, gli XTC trascorrono il fine settimana al Manor Studio di Richard Branson: c'è da registrare la versione finale di "Tower of London", che sarebbe poi diventato il secondo singolo di Black Sea, dopo "General and Majors". La BBC, sempre lungimirante, prontamente inviò una troupe per documentare le registrazioni, e il risultato fu il delizioso  documentario di circa un'ora,  "XTC at Manor", che pubblichiamo sotto. Il "Manor" in questione era la leggendaria tenuta che Branson, mecenate, appassionato di musica, sempre avanti sui tempi, aveva acquistato nel 1971 e subito trasformata in studio di registrazione. (Nel documentario lo si vede in bilico su uno dei tanti tetti precari del palazzo!). Molti grandi album sono stati registrati presso la tenuta, tra cui Tubular Bells di Mike Oldfield, Metal Box dei PIL  e The Bends dei Radiohead . Nel 1995 decise che era finito il tempo di essere uno studio di registrazione.
XTC registrarono anche White Music e English Settlement al Manor.  Il documentario fu mandato in onda dalla BBC2 il 10 ottobre 1980. Un must-see per tutti i fan sfegatati degli XTC come noi, che non potevamo non pubblicare!