BrainDead, thriller, alieni e deliranza varia

Braindead
In Game of Thrones è finalmente arrivato l’inverno e le conseguenze le paghiamo anche noi, che abbiamo seguito la serie con interesse e passione.

Ma oggi..."C'è un sacco di motivi per essere paranoici in questa città."
Andiamo a parlare di una nuova serie arrivata, appunto, in città.
Da un asteroide caduto nella Russia di Putin e portato nel cuore della capitale americana, iniziano a fuoriuscire plotoni di formiche aliene: entrano nella testa della gente, la occupano. Il bello è che queste formiche assassine si impossessano delle menti dei politici di Washington e gettano ancora più caos nella politica statunitense, tant’è che non esiste più alcuna distinzione tra Democratici e Repubblicani.
E se fosse veramente così? Scherziamo, ovviamente, ma i dati di fatto ci dicono che il mondo sta andando a rotoli, non è un segreto. In politica tutti sembrano aver perso il lume della ragione e anche gli eventi più recenti non fanno che confermare questo fatto: Brexit di qui, ISIS di là, Trump di qua, il parlamento italiano divenuto ormai solo un agorà dell'insulto e crisi dappertutto. Insomma, pare che i politici& co. abbiano perso la testa.

“Nell’anno 2016 c’era l’impressione crescente che le persone stessero perdendo la testa… e nessuno sapeva il motivo… fino a ora”. 

In realtà "Brain Dead" è una bella sorpresa per un film di zombie che non ha a disposizione budget di milioni di dollari , il che è alquanto raro negli ultimi anni a Hollywood. Certo la storia non offre nulla di molto originale al genere, e in realtà prende in prestito pesantemente da The Evil Dead, un film horror divenuto un cult classico.
Attenzione, non c'è niente dello stereotipato zombie di molti altri film, e nonostante questo, "Brain Dead" è una serie piuttosto divertente su quasi tutti i fronti. Divertente piuttosto che spaventoso. Situazioni e scene di eccellente splatter gore comico, senza prendersi troppo sul serio, e questo è la sua forza. Nel suo genere, un'autentica boccata d'aria fresca.

BrainDead è una sorta di House of Cards che spia il piano più basso della politica, i maneggi e le scorrettezze tra democratici e repubblicani: i due massimi lottano strenuamente per fregarsi a vicenda, incuranti degli effetti: blocco dei finanziamenti, licenziamenti in massa, uffici deserti, burocrazie bloccate, Stato in panne. Ma non dimentica di colpire il ruolo dei media: per questo forse abbiamo beccato parecchie recensioni inclementi. Lo fa - e questo è il bello - travestendosi da commedia fantascientifica e horror. 
E una serie in cui i politici sono pupazzi di carne comandati da insetti alieni, beh, è un vero colpo di genio.

Commedia, thriller, alieni, satira politica, un po’ di splatter, i titoli strani (il primo episodio si intitola “The Insanity Principle: How Extremism in Politics Is Threatening Democracy in the 21st Century”), e perfino una spruzzata di fantascienza vintage, visto che l’idea della sostituzione degli umani con gli alieni affonda le radici nello sci-fi duro e puro: tutto insieme in un serial che funziona proprio per il suo essere a metà strada.
E' una satira intelligente, che si propone di spiegare i problemi dell'America, terrorismo, la discriminazione e la violenza armata, per non parlare di una elezione presidenziale controversa che sta soffiando sul fuoco di una città - e, più in generale, una nazione - che è già in fiamme, con una metafora plausibile: l'infestazione aliena. E una soffiata leggera sul modo in cui funziona la politica americana, e sul come siamo arrivati ​​al nostro delirio corrente, anche se in realtà una vera analisi della politica americana sarebbe troppo spaventosa - e davvero piuttosto poco divertente.
I politici americani che prima invitavano a diffidare di un Donald Trump con in mano i codici nucleari, oggi sono pronti a sostenerlo, con tantissimi estimatori anche qui in Italia. O con me o contro di me. Dentro o fuori. Ricorda niente? 

Laurel (una bravissima e bella Mary Elizabeth Winstead, che oltre ad essere un attrice americana è anche cantante nel duo Got, molto sexy, con un viso carino e il taglio di capelli seducente che attira ), è perfetta nella parte di una documentarista frustrata, ma con la politica nel suo Dna, costretta a lavorare per il fratello senatore democratico (Danny Pino): Laurel si accorge che qualcosa sta cambiando a Capitol Hill: sono tutti appassionati dello stesso motivetto pop Anni Ottanta (i Cars in You Might Think), tutti più compassati e perbene, ma anche più estremisti e incarogniti. I «bugs» (le formiche) sono il radicalismo irrazionale, il settarismo, e riguardano noi tutti.  
Un collage tra politica, thriller, alieni e deliranza varia, da non perdere in quest'estate povera in video.

He Never Die: Herry Rollins in un bizzarro noir sovrannaturale e la sua Top Five Film

Uscito nelle sale americane a dicembre, e ora su Netflix, He Never Die è un cupo racconto di un cannibale immortale, sceneggiato e diretto da Jason Krawczyk. Nei panni del mostro, Henry Rollins, leggenda del Punk Hardcore americano, cantante e leader dei leggendari Black Flag. Interpreta Jack nel suo primo ruolo da protagonista - in passato ha avuto piccole parti in Heat, e in progetti come Sons of Anarchy e Strade perdute di David Lynch. Carattere introverso e solitario, le cui uniche fonti di interazione umana reale sono la sala bingo e la cameriera del ristorante locale, Cara (Kate Serra). Ora, non bisogna aderire ai preconcetti, quando sentiamo le parole 'immortale e cannibale': He Never Die, sembra più uno studio sul carattere nella depressione e sull'esistenzialismo, che un film horror destinato a spaventare, e questo dà alla pellicola un rinfrescante impulso originale. Il ritratto che Rollins fa di Jack è superbo, in tutto; a volte risulta simpatico e frainteso, altre volte un freddo e calcolato cazzuto. La prestazione di Rollins 'è accompagnata da due forti personaggi femminili, la già citata Cara, e sua figlia Andrea (Jordon Todosey), la cui natura estraniata e effervescente cerca di perforare il contegno gelido di Jack. Tutta la storia delle origini di Jack è criptica, con brillanti e sottili lampi qua e là, come quando elenca il suo incredibile e vasto curriculum, che si perde nei secoli , una gag prolungata e esilerante. Ha vissuto secoli di umanità, ha visto la guerra, la carestia, la peste, è stato in prigione, e così l'umanità lo ha logorato. E' un mostro..stanco. Le esplosioni e i ruggiti animaleschi dentro la sua testa suggeriscono il passato tormentato, e anche le sequenze d'azione hanno un estetica simile: Jack non prevale perché è più forte, ma perché prende e sopporta punizioni sufficienti per sopravvivere a tutti.

La colonna sonora è inoltre degno di nota, che da al film qualcosa di unico dal punto di vista sonoro. Il rumore dei treni che corrono e suoni urbani agiscono come una metafora, nel conflitto della psiche di Jack. La sceneggiatura di Krawcayk e l'interpretazione di Rollins hanno creato un personaggio avvolto in una nuvola seducente e enigmatica, ma anche imprevisto, dato la quantità di umorismo che Rollins porta al suo ruolo. Dopo la fine del film, la prima cosa che ho pensato è che questa storia sarebbe perfetta per una serie, che puntualmente ho scoperto essere in lavorazione, anche se si parla di una "mini serie". In definitiva, un film bizzarro, un noir sovrannaturale, implacabile, tragicomico.

Henry Rollins (Henry Lawrence Garfield) è una leggenda del punk hardcore americano, cantante e frontman dei Black Flag, dal 1981 al 1986 e dopo con la Rollins Band. Incredibilmente attivo ha scritto libri, ha avuto una serie su History Channel, attivista politico e conduttore di uno show radiofonico. Henry vive da solo, il suo migliore amico è Ian MacKaye, musicista e anch'egli attivista, prima nei Minor Threat e poi nei Fugazi. Questi sono i suoi cinque Film preferiti, scelti meticolosamente, che ha deciso di condividere con noi. A commento, sono 5 film che potrebbero figurare benissimo in un eventuale Best di INTERZONE.

Top Five Film

 

Il laureato (1967)
Regia di Mike Nichols.

E ' un film perfetto, perfettamente scritto ... perfettamente girato. L'ho visto quando ero un ragazzino con mia mamma, perché a lei piaceva andare al cinema. Non poteva sempre permettersi una baby-sitter e così ogni tanto ho potuto vedere film per adulti. Nel Il Laureato, recitano attori tutti così dannatamente di talento, performance stellari, grande illuminazione. Inoltre c'è quella scena alla fine del film, quando Hoffman e Katharine Ross sono sul retro del bus. Sai, sono fuggiti, hanno rovinato un matrimonio. E sono seduti là dietro: sorridono per un minuto e pensano, "Abbiamo davvero fatto la mossa più sbagliata della nostra vita." E' stata una buona idea? Una cattiva idea? Un'idea orribile? Un'idea di speranza?" In sostanza corrono verso il loro futuro, e questa è una cosa coraggiosa da fare in un film perché.. è vero, non si sa mai, un rapporto potrebbe finire in 48 ore. Oppure, potrebbe sfociare in una vita normale e noiosa.

I sette samurai (Shichinin No Samurai) (1956)
Regia di Akira Kurosawa

Ecco un altro: I Sette Samurai. Il grande Akira Kurosawa. Lui è il mio regista preferito e in molti dei suoi film recita anche il mio attore preferito, Toshiro Mifune. Non ho mai capito una sola parola di quello che dice nei film, ma la forza e la fisicità di Mifune [era] proprio come un dannato uragano su uno schermo. Kurosawa mi ha affascinato molti anni fa - il modo in cui sapeva illuminare le scene, il modo in cui preparava le cose, e il fatto che sceglieva sempre gli stessi attori. Ovviamente, Mifune compare durante tutta la sua carriera, e in questo film c'è anche Takashi Shimura  ,  il protagonista di un altro bellissimo film di Kurosawa, Ikiru, che significa "vivere". E 'una delle opere introspettive, più malinconiche di Kurosawa. Ogni volta che l'ho guardo mi commuove sempre. E in I sette samurai, c'è così tanto cinema a venire: Arma letale, Per un pugno di dollari.. I Sette Samurai è solo un grande esempio dell'arte di Kurosawa. Non è il mio film preferito. Penso solo che sia un tale straordinario lavoro. E 'uno dei miei film preferiti solo perché è di un impegno enorme. E sto pensando che nella mia top five non ho messo niente di Werner Herzog. Probabilmente avrei messo Fitzcarraldo e Aguirre. E così, Herzog riceve una menzione d'onore. Ma andiamo avanti.

Tutti gli uomini del presidente (1976)
Regia di Alan Pakula

Ho vissuto a Washington durante tutto il Watergate e mia madre ha lavorato per il governo. Era iper-consapevole di Nixon e di tutto quel che stava succedendo. Il Watergate [hotel] era a un giro di bicicletta da casa mia. Ho visto il film non so quante volte - ed è semplicemente perfetto.

L’ ho riguardato tre settimane fa. Resta un gran bel lavoro, allora come ora . Pieno di suspense. E anche in questo caso, c'è Hoffman. Credo che venga fuori spinto da un enorme ventilatore. Ma è solo una coincidenza. Lui e Redford insieme sono semplicemente incredibili. E ancora una volta si vede il genio di Dustin. E' che tutto il cast, mi piace. Si parla di un momento enormemente importante nella storia del paese: ogni americano ha avuto la prova che non ci si può mai fidare del governo, che sarebbe stupido fidarsi. Come votare. Eleggere queste persone. Come ha detto Gore Vidal, quando si arriva allo Studio Ovale, sono stati comprati e venduti almeno una decine di volte. E Tutti gli uomini del presidente racconta proprio uno di questi casi. Il personaggio di Hal Holbrook, scoperto 30 anni dopo, esisteva veramente. E 'stata la Gola Profonda. E il fatto che questi piccoli incontri clandestini siano avvenuti in un luogo dove ho impazzato con il mio skate, fa che questo film sia molto importante per me.

Apocalypse Now (1979)
Regia di Francis Ford Coppola

Un altro film è Apocalypse Now, e la ragione per cui l’ho messo nella mia top five è perché sono andato a vederlo, in prima visione, con Ian MacKaye, il mio migliore amico, e quando siamo usciti non abbiamo capito quello che avevamo visto. Ma siamo andati a casa con il fumo che ci usciva dalle orecchie. Siamo tornati in silenzio e scioccati. Eravamo, in un certo senso, devastati, ma nessuno di noi potrebbe dirvi di che parlava il film. "Era sulla guerra?" Così siamo tornati a vederlo più tardi, avevamo 18 o 17 anni. E ci è piaciuto molto .E ora lo rivedo una volta l'anno. E così che iniziai a capire la guerra del Vietnam in modo diverso. Iniziai a leggere nei personaggi e mi vedevo nei panni di Willard, il personaggio di Martin Sheen. Un altro giorno mi sentivo come Kurtz, il personaggio di Brando. E poi mi uniì ai Black Flag e il nostro furgone era come il PBR sul fiume. L'autostrada era il fiume Nung. Non dimenticherò mai una sera, io ero dietro, nella parte posteriore del furgone e con uno dei roadies guardavamo le luci di uno dei porti in Florida e lui ha detto: "Questo è uno spettacolo davvero bizzarro nel bel mezzo di tutto questo caos", e questa è una battuta del soldato nel film, mentre assistono allo spettacolo folle organizzato da Bill Graham nel bel mezzo della giungla vietnamita. Le battute di Apocalypse Now erano diventate il linguaggio con cui io e il roadie dei Black Flag prima e con i membri della Rollins band poi, parlavamo. Così, ora a 55 anni il film è ancora molto importante per me. Quando Kurtz dice a Willard, "E 'impossibile descrivere l’orrore a coloro che non sanno cosa l’orrore significa ... è necessario fare dell’orrore un amico ". Ho veramente capito quello che voleva significare quando sono stato coinvolto in un omicidio [l'omicidio dell’amico Joe Cole], e io sono stato molto vicino alla morte. Non si può descrivere quello che si prova, a meno che la stessa cosa non sia successa anche a voi. Potrai capirlo solo a livello giornalistico. Questi veterani del Vietnam, dell’Iraq e dell’Afghanistan. Tornano a casa e nessuno li può capire. Tutto questo è descritto molto bene in The Hurt Locker. C'è una disconnessione completa. E così Apocalypse Now - ho finalmente capito – descrive cosa sia la follia, che non è altro che la guerra. Un mucchio di gente che è completamente impazzita. E si coglie perfettamente la follia del conflitto umano.

National Lampoon (Animal House) (1978)

L'ultimo film è Animal House, la commedia perfetta. E 'uno di quei film che guardo quasi una volta all'anno. Non sono un esperto, e tutto quello che posso dire di questo film è che ho riso per tutto il temo!. "Hey, sono un brufolo!" E il cibo schizza fuori dalla bocca di [John] Belushi - ed è la cosa più divertente che abbia mai visto. Sapete come è con i film. Tu li ami così tanto, che è quasi come adottarli. Come quando una canzone che ti piace davvero tanto – hai l’impressione che sia stata scritta per te. Animal House mi ricorda un tempo molto felice della mia vita, anche se da adulto sono diventato più serio e preoccupato. In qualche modo ogni volta che rivedo Animal House rido a a crepapelle, ma a volte mi ritrovo a piangere perché mi manca Belushi. Penso che sia stato un grande talento. Ho parlato con lui una volta al telefono. Insieme a Bill Murray e Chevy Chase, rappresentano il mio tipo di umorismo. E questo è un grande film, una commedia perfetta a basso budget. E’ il tipico esempio di quello che succede con una grande recitazione e una grande sceneggiatura. Non c’è bisogno di un budget faraonico. Ma solo di una grande prova di recitazione e di una grande storia..

Goodnight Mommy: che cosa è successo a mamma?

Goodnight Mommy è un film horror trafiggente, scritto e diretto dagli esordienti Veronika Franz e Severin Fiala, austriaci, spettacolarmente inquietante, che evoca un senso costante di terrore e angoscia, presagi infausti nei giochi innocenti e nei pasti condivisi dei suoi giovani protagonisti, i gemelli Lukas e Elias. 10 anni d’età all'incirca, trascorrono le vacanze estive in una moderna, elegante e isolata casa (decorata con un mix eclettico di d'arte contemporanea, stampe fotografiche sfocate e macabre bambole antiche..) con la mamma, una speaker televisiva reduce da un intervento di chirurgia estetica al viso. Passano il tempo giocando a nascondino e a rincorrersi nei campi di grano lussureggianti, a ridosso dei boschi che nascondono la casa, le giornate sono belle e soleggiate ma la tensione snervante sovrasta il film dall’inizio come una nuvola nera. La pellicola ha un impressionante estetica visiva, girato in un 35 millimetri brillante. La fotocamera ci fa ipotizzare quello che potrebbe succedere off-screen, mentre è gestita come se a girare fosse un guardone. La madre dei ragazzi (Susanne Wuest) indossa una maschera di garza sostenuta da nastro adesivo, sotto si intravede quel poco di volto bianco latte che apparentemente è stato ricostruito chirurgicamente dopo aver subito un infortunio o una malattia. I suggerimenti che ci da il film con i dialoghi sono forse falsi e certamente in conflitto. Ciò che è chiaro è il rapporto travagliato che questo genitore solitario ha con i figli. Le sue conversazioni con i ragazzi sentono di pesante controllo, anche manipolativo. Uno dei ragazzi sembra essere uscito dal suo favore, e la coppia si sussurra il loro disagio, che diventa man mano sempre più opprimente. Questi "occhi senza volto" sembrano nascondere qualcosa, i ragazzi iniziano a sospettare che quella non sia la loro mamma ma una donna vista in una foto che le ritraggono insieme e che indossa gli stessi vestiti e le assomiglia in modo quasi identico. Altri particolari, il suo agire strano, come punirli per piccole marachelle, imporre il silenzio assoluto in casa per permetterle di ottenere il riposo medico consigliato, il freezer stracolmo di surgelati, una sua uscita notturna nei boschi, sollevano i loro sospetti a tal punto che la loro stranezza si aggrava, alimentano e aggiungendo all'esplorazione della storia crudeltà intrinseche. Tutto il film ci tiene col fiato sospeso, con la bocca senza sorriso e gli occhi iniettati di sangue della mamma e le sue conversazioni telefoniche spezzate, la sua impazienza inspiegabile con uno dei ragazzi, che hanno intenzione di ottenere risposte: se la tensione in altri film horror viene da un desiderio frustrato dei protagonisti di chiamare la polizia, scappare, o semplicemente uscire da una situazione terrificante, in Goodnight Mommy è proprio nel nostro non sapere di chi fidarsi che la fa salire, e nella comprensione limitata della realtà e di quello che sta succedendo intorno a Elias e Lukas, realtà ridotta e filtrata solo attraverso questa coppia di gemelli di incredibile bravura cinematografica. Ci vorrà tutto il tempo del film per capire quello che sta succedendo, e il finale rivaluterà tutto quanto accaduto prima. Questo film è una pazza avventura malsana attraverso le menti dei suoi tre personaggi e la casa in cui abitano. Inoltre, vi è il sottotesto della chirurgia estetica, intesa come forza mutante ed è quì una metafora della violenza. Sarà curioso vedere se Hollywood, nell'inevitabile remake che ci sarà, vista la scarsità di sceneggiature originali che si protrae ormai da anni, avrà il coraggio di toccare quei nervi.
Le cose non sempre vengono dal buio per farci paura… 

Da non perdere.

 

 

Gli anni d'oro dell'Horror

SPECIALE HORROR
Mappa dettagliata, meticolosamente studiata, che elenca circa 250 film horror girati in 50 stati americani. La mappa rappresenta dove si svolgono le storie dei film, e non dove sono state effettivamente girate le riprese. Oggi, la maggior parte dei film horror a stelle e strisce sono girati in California, che registra i costi di produzioni più accessibili, ma anche in questo caso possono esserci incongruenze: ad esempio, Halloween è stato girato fuori Los Angeles, ma il film è ambientato in Illinois.
Questa mappa è un vero e proprio atto d'amore, e ha contribuito anche alla scoperta di un paio di nuovi film. Per tutti gli appassionati...

Horroronscreen.com
(clicca sulle mappe per ingrandire)

FEAR ON FILM: LANDIS - CARPENTER - CRONENBERG E L'ETA' DELL'ORO DEL CINEMA HORROR

Ne parlavamo proprio in questi giorni: gli anni '80 rappresentano oggi quello che gli anni '60 rappresentavano alle generazioni precedenti: una specie di età dell'oro. I primi anni 1980 sono stati l'età dell'oro, un grande momento nel cinema per il genere horror, e questi tre uomini che vedremo nell'intervista nel video sotto, erano proprio al centro di tutto. Questa intervista è stata probabilmente condotta nei primi mesi del 1982, John Landis era uscito con Un lupo mannaro americano a Londra, a un anno di distanza dal video di Michael Jackson "Thriller", che chiunque abbia vissuto l'epoca dirà che non era solo un video qualsiasi, un ordinario video musicale in voga in quegli anni, ma un vero e proprio film horror di 13 minuti, sul tema zombie, ed entrambi, canzone e video erano caratterizzati dal memorabile commento/intervento vocale di Vincent Price. John Carpenter, poi, aveva dato il via alla serie di Halloween del 1978, era nelle sale da poco con The Fog, e avrebbe terminato The Thing ( La Cosa) nell'estate del 1982. David Cronenberg, dopo The Scanner e The Brood, stava promuovendo Videodrome, che sarebbe uscito nel 1983, lo stesso anno di The Dead Zone. E tutto questo senza contare il primo film della serie Evil Dead, uscito nel 1981, o Alien, uscito nel 1979. Ci furono poi le serie di Venerdì 13 e Nightmare on Elm, rispettivamente nel 1980 e nel 1984, e nello stesso periodo furono prodotti molti film da Stephen King, forse troppi, come Firestarter, Cujo, Creepshow, e Christine.

L' intervista. Carpenter insiste sul fatto che i film horror non lo spaventano, ma poi ammette che vedere It Came from outer space (Destinazione ... Terra! ndr) quando aveva 4 anni lo aveva scosso e spaventato. Landis pensava che vi era stato un cambiamento nei film horror: le storie erano abbastanza buone, ma poi l'effetto era rovinato dalla comparsa di un mostri fatti male (di merda nell'intervista..). Dal 1981 il film erano peggiorati ma i mostri effettivamente erano tecnicamente migliorati e piuttosto convincenti da guardare . I nomi Rick Baker e Roger Corman sono sbandierati liberamente. Sia Landis che Carpenter lamentavano la necessità di intere giornate spese per girare una sola scena con effetti pesanti. Cronenberg invece si lamenta della censura in Canada e sottolinea diversi aspetti positivi del sistema statunitense.

Un bellissimo video, purtroppo in inglese, per tutti i fan dell'horror e per tutti quelli che amano indossare.. giacche marroni.

Dangerous Minds

Il ricciolo del diavolo: Misfits

Personaggi:
Bobby Steele, Jerry Caiafa, Glenn Danzig - Misfits

I Damned, è la prima band che alla fine del 1977 anticipa il goth. Dave Vanian, ( singer dallo stile vocale da crooner e unica presenza costante nella lunga e tormentata carriera della band) sarà anche il primo ad adottare il look da vampiro e impiega fin dall’inizio il face painting sul palco. La carriera dei Damned si incrocerà più volte - alla fine del decennio magico che furono i Settanta - con quella di un altro gruppo che porterà ancora più in alto l’asticella dell’horror punk: i Misfits, che ne diventeranno presto il contraltare a stelle e strisce e che andranno spesso in tour con la band inglese.

Band horror punk, hardcore, heavy thrash , speed metal, I Misfits si formano nel 1977, nel New jersey, guidati da Glenn Danzig, (Glenn Anzalone), destinato a diventare un’icona dell’hard rock e dell’horror rock grazie alla sua voce calda e particolare e l’attrazione per il cinema di fantascienza, horror e per i B-movie in generale. A Gerald Caiafa, bassista poi noto col nome di Gerry Only, si dovrà gran parte del look dei Misfits, a partire dalla sua particolare acconciatura, il “ricciolo del Diavolo”, più o meno, un ciuffo al centro del viso lungo fino al mento. Gli anni Settanta, nonostante le uscite e gli apprezzamenti in sede live, sono anni tormentati per i Misfits: caos durante i live, risse a colpi di bottiglie e coltelli, arresti, prigione. . Incidono una canzone dedicata all’attrice horror di serie Z Vampira, collaborano col regista del genere George A. Romero, proiettano spezzoni di film del terrore durante i live e nell’ottobre del 1982, il 17 del mese (il giorno giusto) saranno arrestati, insieme ad alcuni fan al seguito, per furto aggravato dentro un cimitero di New Orleans, il Saint Louis Cemetery , dopo un concerto coi Necros: si erano addentrati nel camposanto cattolico alla ricerca della tomba della leggendaria regina del voodoo bianco creola, ex parrucchiera e tenutaria di bordello nella città della Louisiana, Marie Laveau, morta il 16 giugno 1881. WALK AMONG US del 1982 è considerato uno dei migliori album punk di sempre e autentico manifesto della band del New Jersey. Glenn Danzig abbandona per sempre i compagni in una data a Detroit il 29 ottobre del 1983, e quello che verrà sarà un intrico di liti legali tra Danzig (che formerà la band che prende il suo nome realizzando una “striscia” di quattro dischi clamorosi, gli album solisti di Glenn sono numerati) e il resto della formazione per i diritti sul nome durate tredici anni, ( fino al 1995, anno in cui, finalmente, troveranno un accordo ) con interruzioni, resurrezioni e manipolazioni del combo che torna nel 1997 con American Psycho e Gerry Caiafa come leader e Michael Graves alla voce per continuare a sopravvivere..

i Misfits influenzeranno decine di band, con esplicito riconoscimento o meno, dagli Slayer a Marilyn Manson, agli alternative AFI, che adotteranno in toto il devil rock di Jerry Only.

Collection

First Film Wonder. Sottovalutati, dimenticati, riscoperti. Opere prime rimaste tali.

7 Meraviglie di film, opere prime sottovalutate e dimenticate, qualcuna riscoperta - film realizzati da registi che hanno stabilito la propria visione cinematografica (forse non basta una buona sceneggiatura, come asseriva Hitchckok) ma si sono poi fermati, rimanendo prigionieri di questa visione e del loro primo lungometraggio

Tender Dracula, or Confessions of a Blood Drinker
Due scrittori e le loro ragazze si avventurano nel castello di un attore di film horror, famoso per le sue interpretazioni nei panni di vampiri, e discutere i piani della sua carriera. Più fanno conoscenza più difficile diventa per il gruppo capire se è un vero attore o se veramente sia un vampiro. L'ironia del film , naturalmente, è che il vampiro in questione è interpretato dalla stella della Hammer Films, Peter Cushing, che era noto per il suo ruolo di lunga data come il dottor Van Helsing, il cacciatore di vampiri . Il film contiene sequenze davvero curiose, una ridicola canzone cantata da Miou-Miou, una sequenza in cui una ragazza è tagliata a metà, che con la sua metà inferiore passeggia per i giardini, e altro ancora che fanno di Tender Dracula una vera stranezza e un autentico cult.

The House Is Black
Con occhio inflessibile, Forough Farrokhzad dirige uno dei film più poetici, intensi ed estremamente umanitarii mai realizzati. La più grande poetessa persiana del 20esimo secolo si cinge a fare da regista realizzando un film che é tutt'uno con la poesia, dal montaggio all'inquadratura, dalla colonna sonora alla narrazione, portandoci dentro la vita miserabile di un lebbrosario. Il film è narrato con versetti del Corano e con la stessa poesia della Farrokhzad. Diviso in due parti: la voce maschile che rappresenta l'oggettività e il realismo dei fatti e la voce femminile rappresentante la speranza, il sogno, piena di poesia. Una pellicola di nicchia, poco vista, ma un grandissimo capolavoro, libero troppi sentimentalismi e profondamente umanitario, che offre un punto di vista della vita quotidiana della colonia dei lebbrosi del tutto toccante, ricco di fede, premurosità e bellezza.

Ballet mécanique

Ballet mécanique è il risultato della collaborazione tra artisti d'avanguardia come Fernand Léger e Man Ray, che si avvalgono dell'aiuto di Ezra Pound, del compositore George Antheil, e del cineasta Dudley Murphy. Uno dei primi capolavori sperimentali, la pellicola fonde una serie di immagini e suoni caleidoscopiche, con svolazzi in stile cubista e l'assurdità dei Dada. Dura circa 16 minuti ed è un collage completamente astratto di immagini, che spaziano dalla caricatura cubista animata di Charlie Chaplin ad una mezza dozzina di camini che danzano su una corda, montati insieme. Furono fatti numerosi tentativi di presentare il film con la musica di Antheil, ma questo non avvenne prima degli anni ’90, con le nuove tecnologie musicali che permisero che il pezzo di Antheil potesse essere finalmente suonato nella versione originale.

Der VerloreneDer Verlorene è un unicum nella storia del cinema e nella carriera di Peter Lorre, alla sua sola prova registica. Lorre era rientrato in Germania dopo un esilio in Gran Bretagna e Stati Uniti, dove aveva guadagnato fama di caratterista, collaborando con celebri cineasti (Alfred Hitchcock, Josef von Sternberg, John Huston). Presentato alla Mostra di Venezia nel 1951, Der Verlorene si guadagnò consensi critici, ma non i favori del pubblico: lo scacco produttivo indusse l'attore ad abbandonare ogni ulteriore tentativo di regia, per tornare alla recitazione a Hollywood. Grazie anche al suo tono disperato, alla scarsa fortuna commerciale e all'eccezionalità del contributo di Lorre, Der Verlorene è diventato un film 'maledetto', tramutatosi poi in cult movie. Un campo profughi, nel secondo dopoguerra. Lo stimato dottor Neumann rievoca il proprio passato rivolgendosi al volgare assistente di nome Novak, sotto le cui mentite spoglie si cela Hösch, che aveva già lavorato per il medico in tempo di guerra.. Il vero nome di Neumann è Rothe, e le pressioni esercitate su di lui dai nazisti, proprio per tramite di Hösch, lo hanno condotto alla follia omicida...

The Telephone Book
Uno straordinario documento della produzione cinematografica underground newyorchese, una mordente satira di morale sessuale che ha ispirato Bernardo Bertolucci per il suo Ultimo Tango a Parigi (1972). In The Telephone Book lo stesso Andy Warhol ha recitato il ruolo dell'Intermission, la scena con lui è stata sacrificata in fase di montaggio ed è documentata da alcune fotografie. Le Superstar warholiane Ultra Violet, Geri Miller e Ondine sono invece rimaste nel film e si prendono lo stesso merito della nominata all'Oscar Jill Clayburgh nel suo primo ruolo di attrice. Girato nel 1971, inizialmente concepito come una parodia sulla commerciale: una giovane donna introversa riceve telefonate pervy da un uomo anonimo e decide di accettare un incontro. Il film è una combinazione stravagante di comicità surreale, animazione, e sexploitation.

Johnny Got His Gun ( E Johnny prese il fucile)
Trumbo, sceneggiatore di fama, finito nelle liste nere della caccia alle streghe, esordì all'età di 66 anni nella regia con questo film, che rimase l'unica opera da lui diretta. La pellicola fu il coronamento di un progetto fortemente contrastato: Joe Bonham, un giovane americano, viene chiamato al servizio di leva dal suo paese e inviato a combattere sul fronte francese durante la Prima guerra mondiale. Durante l'ultimo giorno di guerra viene colpito da una granata, ma viene salvato per miracolo dagli Alleati, che lo curano in un ospedale militare. Joe tuttavia è ormai ridotto a un tronco umano ("un pezzo di carne che vive"): ha perso gli arti superiori e inferiori, la vista, l'udito e vive attaccato a un respiratore, alternando i momenti di veglia a terribili incubi. Dopo alcuni anni in questa condizione, impossibilitato a comunicare col mondo esterno (i movimenti del capo vengono scambiati per spasmi muscolari, e ogni volta che Joe tenta di comunicare viene puntualmente sedato), riesce finalmente a stabilire un contatto umano con un'infermiera, muovendo la testa secondo l'alfabeto Morse.

Manos: The Hands of Fate
E' un film del 1966 diretto da Harold P. Warren. Oltre che dirigere il film, Warren si occupò anche della sceneggiatura, e partecipò anche come produttore e attore. Data la sua qualità artistica estremamente povera, viene generalmente considerato, insieme a Plan 9 From Outer Space, il peggior film mai realizzato. A lungo dimenticato, nel 1993 venne riscoperto e presentato durante la serie televisiva Mystery Science Theater 3000, che tra le sue premesse vede la presa in giro dei B movie, acquisendo così lo status di cult movie. La sceneggiatura del film vede come protagonista una famiglia in vacanza che, dopo aver lungamente guidato attraverso il Texas, smarrisce la strada e finisce in una casa in cui una misteriosa setta celebra il suo culto pagano poligamo, e dalla quale cerca di fuggire. Il film presenta vistosi difetti tecnici a livello di montaggio, il sonoro e le immagini non sono sincronizzati e molte scene non hanno alcun nesso apparente con la trama. Davvero un mito..

Maggie, (Contagious - Epidemia mortale) come il mondo abbandona un adolescente

Ri-pubblichiamo dall'archivio Maggie. L'avevamo visto prima che uscisse in Italia, chiaramente con un titolo diverso: Contagious - Epidemia mortale. 
Il post era del 26/05/015.

Un film horror indipendente, sembra uno dei tanti, un film su un epidemia zombie di quelli che tanto ci piacciono. Salta agli occhi però che il protagonista è un certo Arnold Schwarzenegger: con queste premesse, non vi ci buttereste a pesce, come si suol dire?

L'infezione zombie che ha colpito il mondo stavolta è diversa, il virus è diverso da quello che siamo abituatia vedere nelle miriadi di film sui morti viventi . Il virus è lento, ha un periodo di incubazione di otto settimane. Una volta trascorso questo tempo, le vittime infettate, iniziano a "trasformarsi", il deterioramento è graduale, con una iniziale perdita di appetito, prima che questo ritorni sotto forma però di fame di carne umana, con un comportamento aggressivo fino a perdere completamente la propria umanità. Molti americani sono diventati cannibali senza cervello - chiamati "Necro-ambulanti", un modo pretenzioso per non dire "morti che camminano" - e sono molto contagiosi, tanto che il governo ha approntato centri di quarantena: insieme ad altri infettati, finchè dopo la trasformazione iniziano ad uccidersi a vicenda o, in alternativa, si può scegliere una dolorosa eutanasia. Non ci sono cure, vaccini o altro. Schwarzenegger è Wade, un "farmer" che recupera la figlia adolescente da uno di questi centri, Maggie (Abigail Breslin), scappata di casa dopo essere stata morsa da un "ghoul": Wade sà com'è la procedura, sà cosa accadrà dopo le otto settimane e sà cosa deve essere fatto per quanto riguarda Maggie, ma aveva promesso alla ex moglie di prendersi cura della figlia a qualsiasi costo, ed è determinato a mantenere Maggie in seno alla sua famiglia. Questa è la storia, cercando di non spoilare.

Nonostante sia etichettato come un film horror, "Maggie" è un dramma di ambientazione zombie. Non c'è niente di spaventoso nel film e il sangue e le scene "gore" sono ridotte al minimoo. Tutto è incentrato saldamente sul rapporto di Wade con Maggie. Il film è soprattutto una rappresentazione di come può essere affrontata la vita in una situazione del genere, con un epidemia molto contagiosa pienamente in corso. E' il racconto di un gioco di attesa, fino a quando Maggie si trasformerà, e della giostra delle reazioni delle persone intorno al suo dramma, e di come tutti sono colpiti da questo. La segreteria telefonica all'inizio del film, insieme alle notizie trasmesse dalla la radio ci rovescia i dettagli angoscianti del triste stato in cui il mondo si trova ora, e ci introduce alla storia che segue Maggie mentre si prepara all'inevitabile. Invece di mostrare un attacco di zombie, "Maggie", mette in mostra persone che parlano di qualcosa che non riusciamo a vedere. E 'un approccio molto interessante in un primo momento, attraente per la storia (di desolazione e di isolamento) del modo in cui il mondo abbandona Maggie, ma che diventa un pò faticoso da seguire fino alla fine.

Arnold Schwarzenegger nella sua carriera ha avuto il complesso del salvatore della patria. Dal teutonico Übermensch, ai robot apparentemente indistruttibili, passando per alieni, demoni, e calandosi egli stesso nel Diavolo, era l'immigrato che si vantava di salvare la California e poi - ammesso che avrebbe trionfato, alle elezioni - avrebbe fatto lo stesso con gli Stati Uniti, e dopo anche con il mondo. Il suo governatorato, naturalmente, si è rivelato un fallimento, e il suo successivo ritorno alla recitazione è stato un flop, umiliante, dopo l'altro. L'età e uno scandalo sessuale in seguito hanno ulteriormente fatto calare la sua popolarità. Con questo film Schwarzenegger cerca di sconvolgere la sua immagine, con un film che inizialmente ha un ritmo da film d'arte rumeno, di quelli che si vedevano una volta nei cineforum, più che un po' lento. Lontanissimo dagli standard macho, forse assumendo questo ruolo (e anche di co-produttore del film), Schwarzenegger sta cercando di emulare duri come Clint Eastwood con Gli spietati, o il suo amico Sylvester Stallone, che un pò di rispetto ha ottenuto con l'interpretazione del poliziotto alcolizzato in Copland. Ma nonostante gli sforzi, ancora non è in grado di fornire una linea di dialogo senza sembrare come se l'avesse imparato foneticamente a memoria, tanto che la maggior parte di Maggie è per la maggior parte girato al buio, e dove si può a malapena a distinguere gli zombie dagli umani.

Maggie non è un grand film, ma è inquietante, angoscioso, una sorta di entrata in alcune delle ansie culturali della nostra epoca - nuove pestilenze, catastrofi ambientali, istituzioni come un grande fratello che minacciano la santità della casa e della famiglia.
Il film ci pone anche di fronte alla domanda: perché possiamo sopprimere un animale morente, sollevarlo dalla sua miseria, senza pensarci due volte e non riusciamo a fare lo stesso con i nostri simili?
Il film diventa, in breve, una tragica storia d'amore tra padre e figlia ma è anche la descrizione di un modo di vita che sembra sempre più in disfacimento sotto i nostri occhi: non possiamo salvare il mondo e le prossime generazioni ma possiamo almeno scegliere il veleno con cui finire. Uno dei difetti del film sta invece nella musica, troppo melensa, troppo sentimentale, con archi e un pianoforte che tentano di aggiungere un tocco di tenero di cui non si sente il bisogno e tutti piangono un pò più del dovuto.
Primo lungometraggio del regista Henry Hobson. 

Voglio morire con i miei stivali: Cristopher Lee

Tutto quel che ci piace, musica, cinema, arte, tecnologia, politica, fumetti.. Tutto è riversato in questo blog. E Sir Christopher Frank Carandini Lee ci piaceva e molto.
Lee era una presenza imponente del grande schermo, eravamo ragazzini quando lo notammo subito per la sua altezza imponente e poi per la sua voce regale, di cui aveva fatto buon uso in questi ultimi anni in un altrettanto sorprendente e piacevole interpretazione di canzoni natalizie in stile Heavy Metal, con il chitarrista Hedras Ramos. In passato Lee aveva già cantato canzoni come "Little Drummer Boy", "Silent Night", "Jingle Hell",e "My Way", re-interpretandole sempre in stile Heavy Metal.
Recitare è stata, però, la passione di tutta la vita. Dopo aver lavorato in una grande e varietà di drammi, aveva ricevuto il suo primo ruolo da protagonista dalla mitica Hammer Film Productions in Gran Bretagna, nella loro iconica serie horror negli anni '50 -'70. Incarnando il ruolo di Dracula, che Bela Lugosi che aveva portato al successo negli Stati Uniti nel 1931, Lee portò nuova linfa vitale e una vera e propria vita al personaggio splendidamente gotico e lussureggiante di Dracula nel 1958. E ha interpretato il personaggio in altri sette sequel, non sempre con entusiasmo, come raccontò, ma piuttosto perché non voleva che la troupe rimanesse senza lavoro. Allo stesso tempo, appariva anche in altre classiche serie Horror della Hammer, compresa quella che lo vide nei panni di Frankenstein, La mummia e anche in quelli di Sherlock Holmes ne Il mastino dei Baskerville: quasi sempre al suo fianco c'era un altro grande caratterista dell'epoca, Peter Cushing. Quelli della nostra generazione ricordano bene i film della Hammer con questi due grandissimi attori, film che ci hanno segnato e formato: Cristopher Lee è scomparso Domenica mattina a 93 anni, per insufficienza cardiaca e problemi respiratori. Ricorderemo una delle star più prolifiche della storia del cinema.

La sua carriera post-Hammer, fu ancora più intensa, con un ruoli da protagonista in “Man With the Golden Gun” (Agente 007 - L'uomo dalla pistola d'oro) nella serie di film su James Bond, e molteplici collaborazioni con registi come Tim Burton. I suoi ultimi anni hanno visto alcune delle sue performance più grandi di sempre, tra cui quella nel prequel di Star Wars, come Conte Dooku e quella del cattivo Saruman il Bianco ne Il Signore degli Anelli, dove ruba la scena in un ruolo che ha messo in mostra tutta la sobrietà e la solennità e ancora l'autorevolezza che gli erano propri.

Lee aveva ottenuto la carica di "Sir" dopo essere stato nominato cavaliere nel 2009 e aveva anche ricevuto una borsa di studio BAFTA (British Academy of Film and Television Arts è un'organizzazione britannica che premia annualmente opere cinematografiche, televisive ed interattive) nel 2011. Non aveva alcuna intenzione di andare in pensione, aveva dichiarato di voler lavorare fino a quando fosse fisicamente in grado di continuare, perchè come disse al Telegraph, "Odio essere inattivo. Come il caro Boris [Karloff] diceva, quando morirò voglio morire con i miei stivali ".

Le sue origini italiane, i suoi 93 anni e 300 film dovrebbero certamente testimoniare e qualificare una carriera di totale dedizione al cinema e il suo supremo talento.

B - Movie, che passione

Alcuni B - Movie che ci hanno impressionato, nel bene e nel male, alcuni recenti altri risalenti all'epoca d'oro degli anni '60 e '70..
Non tutti i film possono essere dei capolavori e per pellicola ad alto budget, ci sono mucchi di film di serie B che graffiano senza il beneficio di cose come "budget" o in qualche caso, addirittura di "una sceneggiatura, un copione". Confrontarli, in termini di risorse, non è un operazione di fierezza. Gli appassionati di cinema più esigenti sono comunque in grado di apprezzarli, semplicemente per quello che sono.
Ma cosa significa i "migliori", quando si parla di film spesso famosi per essere quantomeno scadenti? Certamente non significa migliore regia, o migliore interpretazione. Il significato che possiamo dare di "migliore" è quello di "più divertente".

E' una piccola lista di titoli più oscuri. Anche se Halloween di John Carpenter è un grande esempio di un superbo "B movie" in termini di budget, ogni fan di cinema probabilmente lo avrà già visto, quindi una raccolta di alcuni dei film più economici e affettuosamente più .. allegramente brutti mai realizzati.

ITS ALIVE - Anno: 1974 Regia: Larry Cohen
Anche nel genere horror di scarsa qualità, i bambini sono in genere gestiti con cautela. Un film come Rosemary ci fa veramente paura, come paura ci fanno gli sconosciuti che ci vivono accanto ogni giorno. It's Alive, d'altra parte, è un Horror trash su un bambino killer mutante, con gli effetti speciali del futuro premio Oscar Rick Baker, opportunamente spaventevole, il film si prende molto sul serio, ma qualcosa lo rende involontariamente esilarante. Basta guardare il trailer, che suona già come un conclamato disastro: <<Una città in pericolo! La guardia nazionale è mobilitata! "Questa squadra di soldati armati di fucili d'assalto stanno setacciando la città per un catturare un infante assassino.." Non si può fare a meno di sorridere. È stato seguito da Its live again e It'sAlive III: Island of Alive, mentre Larry Cohen ha diretto un altro classico presente in questa lista nel 1980: The Stuff.

Sharknado - Anno: 2013 Regista: Anthony C. Ferrante
Qualcuno l'ha definita " la peggior casa di produzione di tutti i tempi: parliamo della mitica Asylum, madre di capolavori quali Megapiranha, Mega Shark VS Crocosaurus e Transmorphers, filmacci a dir poco imbarazzanti, messi sul mercato qualche giorno prima dell’uscita di un blockbuster di sicuro successo (clamorosi i casi di 10000 AC, Io sono leggenda, Transformers), modificando in modo risibile la sceneggiatura. Un piccolo spazio nell’universo “cult” dei b-movies, comunque l'ha conquistato e Sharknado ne è un buono esempio. A differenza di molte altre creature dei film della casa di produzione, non è avaro nella sua premessa. Infatti promette squali a propulsione atomica, come gli aerei tornado, dalla prima inquadratura del film, e continua rispettando la sua promessa. E' più guardabile di quasi qualsiasi altro film della Asylum, questo è sicuro. Su Cineblog è disponibile da poco il sequel..

Mr. Sardonicus Anno: 1961 Regista: William Castle
Semplicemente non ci sono più showmen come William Castle . Un spudorato produttore / regista di decine di film dal 1940 agli anni '70, ricordato con affetto dai fan dell'horror. In Mr. Sardonicus, c'è la storia di un uomo il cui volto è imprigionato in un ghigno orrendo (essenzialmente un rimaneggiamento di L'uomo che ride, ma il trucco è fantastico), ma il film è rimasto negli annali per il finale, nel quale lo stesso Castle appariva sullo schermo per istituire un ‘sondaggio punitivo ‘ e chiedere al pubblico di votare, attraverso appositi cartellini fluorescenti, tra il salvataggio e la morte dell’odioso protagonista. Sebbene il regista abbia affermato il contrario, è quasi sicuro che il finale ‘buono’ non sia mai stato girato, e che in realtà non ci sia mai stata nessuna vera possibilità di scelta.

Faster, Pussycat! Kill! Kill! Anno: 1965 Regista: Russ Meyer
Grande titolo, giusto? Faster, Pussycat! Kill! Kill! è il film definitivo di Russ Meyer, cult movie assoluto amato da una miriade di registi di successo., il cui nome è diventato sinonimo della sexploitation, di cui fu uno dei principali autori, per la sua fissazione per donne dalle tette enormi .Tre prorompenti spogliarelliste se ne vanno in giro per il deserto a bordo di potenti automobili. Lì incontrano una coppia di ragazzi: leTre cospireranno per truffare un uomo vecchio e malvagio . Essendo un film Meyer, ci si può aspettare una certa qualità "grungy", che risultò fondamentale perchè il film si rivelasse un flop alla sua uscita. Diventò poi un film di culto, adorato dalle femministe e dagli amanti del exploitation.

Behind the Mask: Vita di un serial killer  Anno: 2006 Regista: Scott Glosserman
Negli anni successivi all'uscita di Scream molti film tentarono la decostruzione del genere horror, ma pochi meritano di essere menzionati, come Behind the Mask. Che si svolge in un mondo in cui assassini soprannaturali come Jason Voorhees e Freddy Krueger esistono realmente, e sulla scia dei "mockumentary" il film segue un ragazzo, Leslie Vernon, che sogna di essere il "prossimo grande assassino psicopatico." In questo modo, cerca di fornire risposte e comprensione a decine di metafore e luoghi comuni dei film horror, del tipo "Come si diventa un assassino?" "Con quale criterio sceglie le sue vittime?" "Come può apparentemente essere in due posti contemporaneamente?".. Una brillante dichiarazione d'amore al genere contorto, che poi si sviluppa e vira inaspettatamente altrove proprio quando si pensa ormai di avere le risposte. E 'uno dei più creativi B movies horror degli anni 2000, senza dubbio.

Plan 9 from Outer Space Anno: 1959 Regista: Ed Wood
Per decenni, Plan 9 è stato la risposta di fatto alla domanda di "Qual è il peggior film della storia del cinema?". Ma anche se è certamente uno dei peggiori, siamo disposti a perdonarlo, perché è anche molto affascinante. Praticamente senza trama e con alcuni dialoghi davvero senza senso, con personaggi alieni sceneggiati come pseudo-intellettuali, sferza gli umani con "le vostre stupide menti! Stupidi! Stupidi! "Come la maggior parte degli appassionati di cinema sanno, Bela Lugosi morì nel corso delle riprese, e alcuni filmati estranei che Ed Wood aveva girato per altri progetti furono stato riciclati in Plan 9. In alcune scene fu chiamato il chiropratico Tom Mason, come controfigura di Lugosi anche se la somiglianza era davvero scarsa. Questo era perfettamente emblematico del "laissez-faire" del cinema di Wood. La storia del film è narrata in parte in Ed Wood di Tim Burton, splendido e meraviglioso omaggio a Wood e ai B Movie. E' un film che ha avuto influenze culturali anche nel rock: Plan 9 Records è la casa discografica fondata da Danzig, cantante e leader dei Misfits. Anche Dave Vanian e i Damned dedicarono una canzone al film e entrambi i gruppi, in effetti, erano noti per la passione e l'amore per i classici B-movie horror fantascientifici.

Radiazioni BX: distruzione uomo (The Incredible Shrinking Man) Anno: 1967 Regista: Jack Arnold
Veramente la quintessenza degli sci-fi B degli anni '50 , uno studio innovativo nella produzione di film a basso costo e di effetti speciali innovativi, accompagnato da una storia intrigante. Scott Carey è esposto a una nube radioattiva e scopre che poco alla volta sta iniziando a ..rimpicciolirsi. I medici sono in grado di fermare il processo, e Scott impara una potente lezione sulla stigmatizzazione. Alla fine si restringe fino alle dimensioni di un insetto e deve affrontare sfide tra la vita e la morte, nella sua casa e all'esterno, dal gatto di casa per lui ora terrificante fino a doversi difendere da un ragno domestico. Un film che non è solo un grande spettacolo sci-fi , ma anche una riflessione sorprendentemente sull'alienazione. La lotta con una nuova "dimensione" delle cose, fatta di bestie feroci e mostri giganteschi gli fa comprendere che non si deve sentire inadeguato in un mondo più grande di lui, poiché il mondo stesso è inserito in una vastità infinita. Ed è sempre stato così, solo che prima non se ne era mai accorto: <<L’esistenza ha principio e fine nel pensiero umano, non nella natura. Sciogliersi, diventare il nulla, le mie paure svanivano, e venivano a sostituirle l’accettazione. La vasta maestà del creato doveva avere un significato, un significato che io dovevo darle. Sì. Più piccolo del più piccolo avevo un significato anch'io. Giunti a Dio non vi è il nulla: io esisto ancora.>>..

Le cinque chiavi del terrore (Dr. Terror’s House of Horrors) Anno: 1965 Regista: Freddie Francis
Film britannico, il primo della Amicus Productions, e uno dei più divertenti. L'intera storia si svolge su un treno, dove il Dr. Terrore (il favoloso Peter Cushing!) legge il futuro e predice terribili morti a 5 passeggeri che viaggiano con lui, attraverso le carte dei tarocchi, i racconti spaziano da licantropi a sacerdoti Voodoo e piante mangiauomini, mentre il grande Christopher Lee si presenta in una delle storie come critico d'arte pretenzioso: letteralmente senza scene veramente horroriche è affascinante quanto innocuo e casto.. ma da bambino una certa tensione me la mise.

L'Isola dei Dinosauri Anno: 1994 Regista: Fred Olen Ray
La cosa più incredibile di cui ci si rende conto, dopo aver visto Dinosaur Island, è il fatto che questo film è uscito un anno dopo Jurassic Park e non 15 anni prima. E' il prodotto di un altro moderno luminare dei B-movie, Fred Olen Ray, e questo film però non riesce a decidere: collocarsi pienamente con le sue tendenze nell'ambito del softcore porno o sui "dinosauri freakin, ma in entrambi i casi il risultato risulta ugualmente terribile. I dinosauri potrebbero essere i peggiori mai raffigurati, basta guardare il T-Rex burattino per capire realmente di cosa stiamo parlando. E 'un film deliziosamente innocuo, in cui nessun attore, nemmeno quello più pretenzioso poteva sperare forse di essere preso sul serio. La cosa davvero incredibile è che Fred Olen Ray è riuscito a convincere se stesso che ci sarebbe stato davvero un mercato legittimo per questo suo prodotto, ultra B Movie..

Feast  Anno: 2005 Regista: John Gulager
Probabilmente la cosa migliore venuta fuori dalla Project Greenlight dell' HBO, Feast è un film horror rinfrescante, una satira pesante sulle convenzioni del suo genere. Con uno strano cast, comunque di tutto rispetto che comprende Judah Friedlander, Jason Mewes e Henry Rollins, racconta di persone di vari ceti sociali e età che si trovano in un bar in mezzo al deserto stile DAL TRAMONTO ALL’ALBA a parlare del più e del meno, fino all'arrivo di un uomo intriso di sangue e con fucile alla mano che fa irruzione nel bar e li avverte dell'arrivo di 4 creature orribili e sanguinarie. "Sono il ragazzo che è venuto a salvarvi il culo". E poi tutto succede: sangue, gambe mozzate,palle tritate,gente fagocitata,risate interminabili, accoppiamenti impropri e crani sfondati E 'un film divertente, sincero circa le sue intenzioni di giocare al tira e molla con le aspettative del pubblico.

Vampiri amanti Anno: 1970 Regista: Roy Ward Baker
Classico horror della Hammer Film Productions: giustamente tenuti in grande considerazione, questo è uno dei più ..infami. The Vampire Lovers è audace nel raffigurare le forti implicazioni di una relazione vamp-lesbo, abbastanza in anticipo sui tempi, soprattutto per una produzione britannica. Come tanti altri film Hammer, le cose migliori chin Vampiri Amanti (oltre ai seni ansanti) sono le scenografie sontuose, i grandi costumi e la presenza di Peter Cushing, che è apparso apparentemente in ogni film horror britannico realizzato tra il 1958-1975. Questo è stato il primo della "Karnstein Trilogy" sui vampiri erotici, anche Le figlie di Dracula, ma l'originale resta il migliore.

La spada magica Anno: 1962 Regista: Bert I. Gordon
Il miglior B-movie di cappa e spada di Maven Bert I. Gordon, il regista di The Amazing Colossal Man e tanti altri, La spada magica può anche essere considerato il miglior film della MST3K. E' una splendida piccola fetta di avventura fantasy, stilisticamente molto simile a film come Il 7 ° viaggio di Sinbad, del 1958. Ha un veterano come Basil Rathbone, nei panni del mago malvagio, Estelle Winwood la strega buona / madre dell'eroe e uno stuolo di cavalieri coraggiosi e multietnici che cercano di sopravvivere alle sette maledizioni mortali e salvare la principessa. Immagino che sarebbe stato uno dei miei preferiti in assoluto se solo fossi un bambino nato e cresciuto nei primi anni '60. 

 

Birdemic Anno: 2008 Regista: James Nguyen
Un film come questo finisce ai primi posti nelle liste dei film più brutti di tutti i tempi, per diritto. Pellicole come Birdemic non possono essere state girate di proposito: è impossibile!. Gli elementi più importanti in Birdemic sono l'ottimismo e l'intensa fiducia, mal riposta e una completa mancanza di buon senso. Ogni regista che realizza film di media qualità si sarebbe subito accorto che questo era solo un bizzarro tentativo di copiare Gli Uccelli di Hitchcock e avrebbe abbandonato il progetto. Si sarebbe accorto di avere un cast di attori meno coinvolgenti e più svogliati della storia del cinema. Sarebbe stato ovvio che non poteva esserci un messaggio pro-ambiente sottinteso, con uccelli che vomitano dall'alto acido corrosivo. E altro ancora. Ma Birdemic è beatamente inconsapevole di quanto sia terribile, il che lo rende del tutto esilerante, e brillante...

 

 

Tecnicamente non siete vivi, tranne che parlate e vi muovete (Il ritorno dei morti viventi)

The Return of the Living Dead Soundtrack

1. Nothin’ for You - T.S.O.L.
2. Dead Beat Dance - The Damned
3. Eyes Without a Face - The Flesh Eaters
4. Tonight (We Make Love Until We Die) -SSQ
5. Love Under Will - The Jet Black Berries
6. Take a Walk - Tall Boys
7. PartyTime - 45 Grave
8. Surfin’ Dead - The Cramps
9. Burn The Flames - Roky Erickson
10. Trioxin Theme - Francis Haines

 The Return of the Living Dead Soundtrack
 Il Ritorno dei Morti Viventi su Cineblog (streaming e download)

"Il polso non batte, la pressione è a zero, la pupilla non si dilata, non avete più nessun riflesso e il termometro segna 22" "E cosa vuol dire?" "Mai vista una cosa simile. Tecnicamente non siete vivi, tranne che parlate e vi muovete"

"Gli eventi ritratti in questo film sono tutti veri. I nomi sono veri nomi di gente reale e di organizzazioni esistenti".

ll film doveva essere diretto da Tobe Hooper e l'avrebbero dovuto girare in 3D.
Il film inizia venerdì 3 luglio 1984 quando invece in quell'anno, il 3 luglio cadeva di martedì.
Il cannone nucleare che si vede alla fine del film era veramente un cannone Howitzer tedesco della Seconda Guerra Mondiale.
Il poster del test della vista che sta nell'ufficio di Burt è composto di lettere che se messe nel giusto ordine compongono la frase "Burt is a slave driver and a cheap son of a bitch who's got you and me here", ovvero "Burt è lo schiavista e il figlio di puttana da quattro soldi che ci ha portati qui".
Il regista O'Bannon aveva scritto la parte di Frank su misura per lui stesso, infatti avrebbe dovuto partecipare anche come attore. Quando però James Karen arrivò sul set per avere un'altra parte, O'Bannon rimase colpitissimo dal suo stile e lo ingaggiò all'istante per il ruolo di Frank.
I produttori esecutivi tentarono più volte di mettersi in contatto con Romero per offrirgli di produrre il film ma quello non rispose mai.
Alcune comparse che interpretavano gli zombies furono pagati di più perché accettarono di mangiare del vero cervello di vitello.
I sacchetti che contenevano i resti tagliati del primo zombie vengono portati al forno per essere bruciati, ma, come si vede nel film, ogni sacchetto si muove ancora. Per ottenere quell'effetto semplicemente furono messi nei sacchetti le famose scimmiette meccaniche che suonano i piattini. I piattini furono tolti per evitare il rumore.
Agli inizi degli anni '90 saltò fuori una versione del film che durava ben 24 minuti in più.
Linnea Quigley sembra che si mostri totalmente nuda ma in verità indossava un copri pube color carne. Acc!
Sul retro del giubotto di Freddy si legge "Fuck you" (devo tradurre?). La produzione però, pensando che questa cosa non sarebbe stata passata dalla TV se il film avesse avuto una diffusione televisiva, creò un secondo giubotto con la scritta "Television Version" che può essere visto per l'appunto nella versione del film che è passata sui canali televisivi (americani).
Il regista Dan O'Bannon compare nei panni di un barbone.
Richard P. Rubinstein della Laurel Entertainment non voleva che la gente pensasse che questo film apparteneva alla serie creata da Romero. Fece causa con la finalità di impedire l'utilizzo della dicitura "Living Dead", ma gli arbitri dell'MPAA decisero in favore dei produttori del film di O'Bannon.
Come conferma il regista nei commenti del DVD, Ernie, interpretato da Don Calfa, è da ritenersi un ex nazista scappato ai tribunali internazionali. Che il personaggio abbia un passato nazista lo si deduce dal fatto che il suo nome per esteso è Ernst Kaltenbrunner, che ascolta l'inno dell'Afrika Corps Tedesca "Panzer rollen in Afrika vor", possiede una pistola Luger, ha una foto di Eva Braun (amante di Hitler) e un disegno di Hitler stesso e Hindenburg che giocano a carte.
( exxagon.it)

Perché ci piace così tanto questo film? Vediamo..
La colonna sonora supercool? Beh, certamente.. Vedere Linnea Quigley nuda? No, si tratta di qualcosa di diverso. Non c'è niente di meglio che vedere zombie con cresta e borchie e catene. Il film è uscito nel 1985, in un periodo in cui il la scena punk riviveva nell'hardcore più duro: Dead Kennedys, Circle Jerks, Black Flag, Discendents, ecc. Molti ragazzi tornarono alla testa rasata, sognavano la ribellione . Quindi, abbiamo un qualche tipo di legame strano con questa banda di disadattati che ha reso questo film un'esperienza più che personale. E poi, ironia, comicità black, splatter..

Un piccolo cult.
 

Best Horror Soundtrack

Forse in più di ogni altro genere di film, l'horror è un costrutto in cui la musica e il gioco dei suoni hanno un ruolo fondamentale nel modo in cui ci identifichiamo con la storia. L'acustica può migliorare un film terribile, mentre altre colonne sonore ci hanno terrorizzato in un modo così primordiale che i loro suoni hanno ineffabilmente sfregiato i nostri inconsci - e le nostre abitudini (vedi Psycho quando facciamo la doccia..). Eppure, il terrore strisciante di queste melodie ci hanno ossessionato anche per la loro bellezza, e così abbiamo provato a sceglierne alcune, le migliori per noi.

Abbiamo tralasciato colonne sonore di film come Halloween, l'Esorcista, Lo Squalo, ormai entrate nell'immaginario e anche supersfruttate nella pubblicità.


Near Dark - Kathryn Bigelow - Tangerine Dream
Il buio si avvicina è un film del 1987 diretto da Kathryn Bigelow. Se non amate almeno una delle colonna sonore dei Tangerine Dream , allora c'è qualcosa che non va! Da Legend a Fenomeni paranormali incontrollabili , le composizioni innovative della band elettronica hanno punteggiato il Cinesphere con i loro paesaggi sonori moody. I foschi, malinconici suoni che hanno creato per il grossolanamente sottovalutato Near Dark di Kathryn Bigelow completano il racconto di un uomo che abbraccia il suo destino di vampiro, ma che lotta strenuamente e combatte per non diventare come il branco selvaggio che lo adotta nel loro clan di vampiri feroci. Bellisima..



Erasehead - David Linch
La leggenda narra che David Lynch era abbastanza scosso dopo aver visto Eraserhead per il prima volta. Quando rivenne la luce,dopo la proiezione, si rivolse al figlio e disse in un sussurro intimorito, "Non vorrei mai fare un sogno del genere ..."
Dopo quasi 40 anni, forse questa è ancora la descrizione migliore per descrivere la visione strana e traumatica di Eraserhead, un buco nero allucinatorio con una colonna sonora che assomiglia a una registrazione fatta nella sezione dei derelitti dell'inferno. Il termine 'colonna sonora' deve essere inteso con quel tipo di attenzione e di emozioni che si hanno in una passeggiata di notte nella zona di Chernobyl. Questa non è, dicono, una colonna sonora dal Motion Picture, cioè una compilation di brani per rianimare i ricordi del film attraverso l'ascolto. Le musiche di Erasehead sono scure e il contenuto non è esattamente ..musical: esclusi due brani fantasma che si nascondono nelle profondità, ci troviamo davanti a due lastre di rumore industriale, che scivolano dal sogno all'incubo, trame che mescolano ambient da favola nera, ossessioni che includono nani, il male, l'elettricità, gufi (spoiler: Henry in Eraserhead appare ancora come un grande gufo spaventato) e un pò di musica....




Suspiria - D. Argento - Goblin
Suspiria è il terzo album discografico del gruppo italiano Goblin, colonna sonora dell'omonimo film dell'orrore. Il disco, da alcuni considerato il capolavoro della band e capace di creare atmosfere suggestive e inquietanti, fu pubblicato nel 1977 dall'etichetta King Japan. La band prog ha lavorato su una varietà di colonne sonore essenziali. Mentre la loro collaborazione per L'alba dei morti viventi (2004) di Romero è timbricamente più varia, e Profondo Rosso ha note più vivaci e funky, è proprio l'inquietante Suspiria che è indimenticabile. Un coinvolgente, intricato, intreccio oscuro di suoni sperimentali e voci spettrali, Suspiria è straordinariamente la colonna sonora più bella che i Goblin abbiano mai fatto.. Peccato che, secondo il MIO parere, il film  sia invece noioso e terribilmente sopravvalutato, come molti altri di Argento.



Nosferatu il vampiro - W. Herzog - Popol Vuh
L' ombra animata si estende attraverso un muro, il viso allungato, gli occhi infossati..
Ma il Dracula interpretato da Klaus Kinski nel rifacimento di W. Herzog non è l'insetto accigliato del film Murnau. Kinski ritrae il conte in un modo che nessun altro attore ha fatto. Lontano dall'inevitabilità malaticcia del conte Orlock di Marnau, e diverso dal fascino seducente di Bela Lugosi. Quì Dracula è un essere sofferente, odia ogni istante della sua maledizione, il vampiro è intrappolato nei suoi istinti, e gli occhi di Kinski tradiscono follia straziante (come hanno fatto in "Aguirre"), cattiveria, e un dolore senza fondo che sfida ogni descrizione. È come se la bestia volesse piangere, ma ha dimenticato come si fa. Come Kinski, i Popol Vuh avevano già collaborato con Herzog, e nel 1979 si cimentano nel remake del classico film horror. Un mix di suoni pagani improbabili, eterei, esotici e ipnotici, più lo stile Moog-tastic della band, che danno un tono completamente diverso per il celebre racconto di vampiri. Brani molto contemplativi e ripetitivi che possono ricordare a volte il raga e il mantra indiano strumentale, Se abbiamo mai immaginato un Dracula con un sottofondo di chitarre, tamburi tabla e sitar...



Candyman - Bernard Rose - P. Glass
Philip Glass e un film slasher? Sembra strano, ma ha funzionato perfettamente, in Candyman del 1992, tratto dal racconto di Clive Barker, The Forbidden e diretto da Bernard Rose. Il concetto sembrava anche strano per il celebre compositore, che rifiutò il consenso per la pubblicazione del suo soundtrack fino al 2001. Per fortuna , perché la musica profonda delle partiture "gothic" per coro e organo a canne, sembra fatta su misura per questo sottovalutata gioiello dell'horror . La versione finale del film però fu una delusione per Glass. Sentiva che era stato manipolato. Ciò che gli era stato presentato come un progetto indipendente con un budget ridotto ma con la totale integrità creativa era diventato per lui uno slasher Hollywoodiano a basso babudget. Il film ebbe i suoi meriti e non sorprende, e lo studio chiese un sequel. Glass accettò di lasciare la sua colonna sonora originale per il nuovo progetto. A questo punto iniziò il remix e l'editing della partitura originale per creare nuovi spunti per il sequel. Dopo l'uscita del sequel e di vari bootleg della colonna sonora (i fan ne chiedevano la pubblicazione ufficiale a gran voce..) Glass acconsentì alla pubblicazione di un CD con le registrazioni originali per i film Candyman e il sequel, Candyman II.

Rosemary Baby - Roman Polanski - Krzysztof Komeda
Dovevamo fermarci a 5, ma non poteva rimanere fuori il grande horror satanico di Roman Polanski, la cui colonna sonora è il tema musicale jazz-flesse del pianista (jazz) e compositore polacco Krzysztof Komeda, ma è caratterizzato dalla voce di Mia Farrow che canta il tema principale - una ninna nanna litanica raccapricciante, che rende questa colonna sonora di un classico. Il suo "La la la" inquietante suona e risuona, e mai vorremmo ascoltarlo di notte, da soli in una grande casa vuota nel centro della città..